Como al unísono
En el riquísimo panorama cultural de Buenos Aires no es infrecuente que se produzcan varias actividades el mismo día y a la misma hora. Pues bien, en coincidencia con las jornadas de la Bienal a la que acabo de referirme hubo el martes 6, en el auditorio del Malba (que tuvo que ser reforzado por la nave del Museo con una pantalla que reproducía el escenario para centenares de estudiantes sentados en el piso) con la platea completa, una conferencia de los arquitectos Alejandro Zaera Polo y Patxi Mangado.
El primero se concentró en la descripción de proyectos en los que las envolventes tenían protagonismo mientras que Mangado puso de relieve, además de algunas obras con el característico sello de su producción (entre ellas el Pabellón de España en la Exposición Internacional del Agua en Zaragoza 2008), su propuesta de un Foro de Arquitectura para el análisis y la evaluación de esta disciplina en el siglo XXI. Como lo expresé al hablar de la Bienal, será necesario un texto especial para el análisis de lo mucho que se dijo en la tarde de ese martes en el Malba.
En este caso también hay que poner de relieve el esfuerzo desplegado por el arquitecto Alberto Gorbatt y su equipo para concretar un seminario de alta calidad y perfecta organización.

Por último, y como otro acontecimiento en la misma semana, el jueves 8 de octubre, con la presencia del gobernador de Santa Fe, doctor Hermes Binner y su equipo de colaboradores, se presentó en la casa de la provincia el libro “Santa Fe en obras 2008-2009″ que reproduce las obras proyectadas para el período de gobierno en las 5 regiones que conforman el territorio provincial. Hubo una sala, en la exposición de la Bienal, donde se expuso parte de ese conjunto de proyectos de obra pública compuesta por centros de salud y hospitales, escuelas en toda la escala desde jardines de infantes hasta secundarias y terciarias, centros culturales y juzgados. En fin, una suma de realizaciones que cuentan con el asesoramiento de Mario Corea y Silvana Codina y un nutrido equipo de profesionales que impulsa el arquitecto Hugo Storero, Ministro de Obras Públicas y Vivienda de la Provincia.
Como se advierte, fueron días de intensa y fructuosa actividad en el campo de la arquitectura y el urbanismo que los colegas van a capitalizar luego de destilar tanta materia prima y tanto potencial.

Fuente: Una semana rica para la arquitectura

Otra vez, casi a dúo, apuntan los expertos que nos visitan que en París hubo un comienzo parecido, con poco entusiasmo de la gente al comienzo. Pero la acción del alcalde para desalentar la llegada de automóviles particulares al área central de la ciudad ya muestra resultados porque se redujo en un 25 por ciento la circulación de vehículos privados en París. Y sólo es el comienzo.
Tal como acontece en Nueva York, es mínimo el porcentaje de la población que tiene automóvil y es una tendencia que muestra señales de mantenerse y consolidarse.
Una buena parte de los parisinos va a pie a su trabajo y también lo hace para las compras de rutina. Y el otro medio de traslado que ganó adeptos en los años recientes es la bicicleta. Al respecto, Pablo Katz subraya que hace 4 años nadie hubiera concebido que hubiera tal cantidad de bicicletas circulando por las calles parisinas.
Y la aseveración se ve en seguida confirmada por cifras: para servir al sistema de Velib’ (apócope de Velos liberté) hay 35.000 bicicletas en libre servicio. Este número se reparte en 1.500 estaciones en París y 700 en la periferia, con la seguridad de que no hay ningún domicilio a más de 200 metros de una estación de bicicletas.
Según los últimos datos, cada unidad se utiliza 12 veces por día, y si se suman otras 100 mil bicicletas privadas, esto marca que ahora los desplazamientos en ese medio superan el 2 por ciento del total, en tanto que hace dos años esa cifra era de menos de la mitad.
Para rematar esta parte de la charla, Bourlon destacó que hay 250 kilómetros de sendas para bicicletas en París. Y todo esto responde a un cambio de comportamiento, ya que no se ven sólo deportistas o jóvenes, sino empleados de corbata que viajan en bicicleta.

No impedir actuar
En una intervención que tuvo durante la conferencia-debate, Pablo Katz subrayó un dato sustancial. En efecto, cuando Francia tenía un gobierno de izquierda, durante la era Mitterrand, el alcalde de París era Chirac, un hombre de derecha. Y ahora que el país tiene una conducción de ese signo con Sarkozy, el alcalde parisino es Bertrand Delanoë, del Partido Socialista. Pero esta circunstancia no alteró las iniciativas dirigidas a mejorar la situación urbana porque la consigna es no impedir actuar. Algo que suele ser habitual en Europa, pero que todavía no se cultiva entre nosotros.
Un ejemplo claro se ve en París en torno de la equiparación paulatina entre los sectores del Este y el Oeste de la ciudad. Una situación análoga a la que se da en Buenos Aires entre el Sud y el Norte.
Hace tres décadas, el Este era popular y degradado y el Oeste era residencial y distinguido. Había además un factor climático: como los vientos dominantes vienen del Oeste, las fuentes de olores (ciertas industrias, mataderos, plantas de tratamiento) se ubican en el Este.
Entre 1981 y 1983, el AAPUR elaboró un plan abarcativo que incluía la construcción de viviendas nuevas, rehabilitación de las antiguas, equipamiento y fuentes de trabajo en el Este. Se cambió el área de Les Halles, con un centro comercial donde estaba el viejo mercado, y se construyó el Beaubourg (el Centro Pompidou). Luego vino la gran operación urbana de La Villette (el antiguo matadero), la Cité de la Musique, el Polideportivo y el parque de Bercy. No hay que olvidar la Opera de la Bastilla, el nuevo Ministerio de Finanzas y la Biblioteca Nacional. Todas obras de envergadura y gran atractivo que cumplen con el objetivo de equilibrar el Este con el Oeste. Y aunque los procesos urbanos demandan tiempo, ya se ven cambios de imagen en el área, el mercado inmobiliario cambió y hay un evidente interés por esa zona de la ciudad. Una política de alquiler público de vivienda social ayudó a mantener a los pobladores del sector.

Lo bueno se impone
Cuando Bertrand Delanoë empezó sus acciones rompiendo calles, ensanchando veredas para mejorar el movimiento de peatones en tanto se restringía el tránsito de automóviles, la gente estaba muy irritada. Sin embargo, y gracias a que el período de mandato es de 6 años (que en este caso se prolongó un año más para que no coincida con la elección presidencial), la población pudo verificar la pertinencia de las ideas puestas en práctica, y lo volvió a votar en 2008 para un nuevo período.
André Marie Bourlon y Pablo Katz trabajaron en una cátedra de posgrado de la FADU-UBA (dirigida por el arquitecto Jorge Iribarne) en un proyecto para la recuperación de Villa Lugano. Y se propone en este caso una política similar a la aplicada en el sector Este de París. Una estrategia amplia y abarcativa que se inscriba en un tiempo largo (que para la ciudad puede ser de 20 o 30 años) para evitar que cada nuevo gobierno se aparte del plan.
Un programa en el que las acciones, en lugar de sumarse algebraicamente se multiplican por un efecto potenciador, donde una prioridad está en el desarrollo del transporte público y en especial en el subterráneo, que debiera prolongarse hasta los bordes de la ciudad, lo mismo que el Premetro.
Como se ve, valía la pena platicar con Bourlon y con Katz, y mi reciente paso por Medellín, en Colombia, no hizo sino confirmar cuán importante es que se tomen decisiones a escala urbana para impulsar el desarrollo sostenido de las ciudades.

Fuente: Planeamiento no es una mala palabra

Hay dos producciones de Richard Meier que sirven para evaluar la creatividad del ex Five Architects en un medio tan comprometido como es el paisaje urbano de Roma. Ambos proyectos fueron realizados con poca diferencia (Ara-Pacis en 1995 y la Iglesia de Dios Padre en 1997) pero se terminó primero la iglesia -en 2002- y más tarde la obra a orillas del Tíber, en 2006.
Por su localización céntrica, accedí primero al complejo museístico del Ara Pacis, que está cerca de la Piazza Spagna y al que se llega caminando hacia la margen del Tíber. El objetivo era proteger un antiguo monumento romano, que algunos fechan en el año 9 antes de Cristo, del deterioro sufrido durante tantos siglos a la intemperie. El Ara Pacis es un prisma penetrable revestido en mármol con relieves tallados, al que se puede ingresar luego de subir una escalinata.
La pieza milenaria está rodeada por una estructura de hormigón y cristal que la enmarca con armoniosa veneración, conjugando el lenguaje contemporáneo que maneja con destreza Meier al tiempo que muestra un rostro severo y sobrio en su implantación a orillas del río, muy cercano a la clásica fachada de la iglesia de San Rocco.

Fue mucho más difícil llegar a la segunda creación de Meier en Roma, la Chiesa di Dio Padre Misericordioso. La zona se llama Tor Tre Teste y es un lugar periférico rodeado de edificios de viviendas colectivas de diseño mediocre. En ese marco, la iglesia de Meier se destaca por sus formas y asume un papel monumental pese a sus discretas dimensiones. En una propuesta asimétrica, tres grandes superficies convexas marcan el costado izquierdo de la nave en tanto el lado derecho es un plano recto y continuo. La luz penetra por amplias áreas de cristal y crea un efecto espacial cambiante con el paso de las horas y deslumbrante por momentos.
Me dio la impresión de una dosis de sobrediseño.
Cuando le comenté al taxista las críticas que algunos expresaban por la distracción de los fieles, que miraban al cielo mientras el párroco decía la misa, el chofer me dio un argumento muy ingenioso: “tal vez sea mejor que la gente se conecte con Dios sin intermediarios”.

Dejo para otro momento las impresiones venecianas.

Fuente: Instantáneas de un viaje reciente

Las dos exposiciones a las que aludiré -y que en el título designo como dos caras de una moneda diversa- son la ya mencionada de la SCA y la que se muestra en las hermosas salas de PROA con el equívoco título de “Espacios urbanos”. Utilizo el calificativo porque sólo algunas de las imágenes tienen relación con lo urbano, dicho esto por respeto a la raíz semántica de esa palabra.

La noche en la que se presentó el número 100 de la revista Summa+ en esos sugerentes espacios de la fundación boquense, muchos arquitectos tuvieron la posibilidad de observar un conjunto de fotos de gran tamaño (algunas de dimensiones inéditas para este tipo de muestras) y de características técnicas igualmente excepcionales.
Recuerdo la expresión de Mario Roberto Álvarez cuando se detuvo ante la imagen de la sala Martín Coronado, uno de los registros de la fotógrafa alemana Candida Höffer, impactado por la fidelidad con la que estaban captados todos y cada uno de los detalles de ese espacio tan singular en la producción de nuestro colega decano.

Eso sí, hay que reconocer también que en todas las fotografías de la Höffer se equiparaba la perfección técnica con una tan gélida frialdad que no producía en los espectadores la más mínima reacción emocional. Y lo mismo acontecía, salvo unas pocas excepciones, con las obras de los cuatro colegas que completan una secuencia peculiar por los dos rasgos ya citados más arriba: las medidas de las piezas expuestas y la infrecuente fidelidad de las tomas registradas por Andreas Gursky, Axel Hütte, Thomas Ruff y Thomas Struth.

Acaso sean una muestra arquetípica de este estilo fotográfico, por lo menos para nosotros los arquitectos, los espacios interiores captados por Candida Höffer. Con una profundidad de campo casi milagrosa en fotografías tomadas con luz artificial y ampliadas en las enormes dimensiones de las copias que se exponen, todas y cada una de las salas (entre las que se cuentan los salones dorados de la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires y del ex edificio de La Prensa, hoy Casa de la Cultura) se muestran como parte de un relevamiento formal.

No hay una sombra ni una luz que intenten mostrar una pizca de magia o una intención expresiva. Y está claro que esa es una decisión de la autora (una conducta aséptica que está en la base conceptual de los cinco expositores), lo que no significa que los que estamos de este lado de las imágenes nos conformemos con esa postura racional y contenida.

Paso ahora al otro extremo de este par: las fotografías de la serie que GG tituló “Puertas olvidadas” componen una secuencia registrada en varios viajes a Salta y Jujuy, en los que la autora se vio sensibilizada por el misterio que emanaba de muchos vanos y puertas con los rasgos más opuestos y disímiles. Un candado o una manilla, un postigo o una reja sugerían sendas tomas y una serie de conjeturas en la mente de la fotógrafa -no profesional- que se ven correspondidas en los ojos de los observadores.

Está claro que faltan en Gabriela el dominio y la destreza, el equipo tecnológico que hoy debe manejar un experto. Este es uno de los contrastes que me permite trazar dialécticamente la coincidencia con la exposición de PROA, y uno añora la posibilidad de que se pudiera amalgamar la pulcritud técnica de los alemanes con una sensibilidad emocional -a pesar de los años uno sigue siendo romántico y aspira a recibir de las obras de arte algo más que perfección formal- que le aporte al espectador ese momento de elevación espiritual que tanto nos hace falta.

Ya tuve una experiencia parecida en mi respetuosa pero frustrante recorrida por la gran muestra de Marcel Duchamp en las mismas salas de la Boca. Y creo que sería provechosa una controversia en torno de los efectos que tienen algunos planteos de las artes plásticas sobre la cultura del siglo XXI. Ni tanto ni tan poco.

Fuente: Las dos caras de una moneda diversa

Un colega argentino, el arquitecto Leonardo Zylberberg (a quien a partir de este momento llamaremos “Lalo”), dicta clases de arquitectura en el California College of the Arts (CCA) de San Francisco, USA. En uno de sus periódicos viajes a Buenos Aires, cuando vino a visitarnos al Casco Histórico, nos contó una práctica que suele hacer con una parte de sus estudiantes.
Se trata de un ejercicio que consiste en venir a la Argentina (una vez lo hizo a las provincias del Noroeste) y desarrollar un anteproyecto previa una recorrida con el reconocimiento del sitio y un análisis de su realidad.
Me pareció que se presentaba la situación ideal para abordar un tema que aparece como impostergable en el territorio que abarca el Casco Histórico, y es el proyecto de uno o varios Centros Juveniles. Es decir, remedar en lo posible algunas realizaciones que pude ver en el exterior y que además de provocar admiración me dieron eso que se suele llamar “envidia sana”.

En efecto, tanto Diana Agrest y Mario Gandelsonas como Laureano Forero, los primeros en Nueva York y el segundo en Medellín, lograron diseñar y construir sendos conjuntos dedicados a la juventud con criterios modernos y programas semejantes. En todos los casos los resultados fueron más que buenos, ya que los destinatarios asumieron con entusiasmo y con vigor un sentido de pertenencia que superó las expectativas de los gestores de la idea y de sus proyectistas.
No hace mucho, y con motivo de la disertación que hubo en la Sociedad Central de Arquitectos, comenté mi paso por el edificio de Aranjuez, en Medellín, y las expresiones que allí recogí de un encargado y de varios de los jóvenes usuarios. También conservo en la memoria un comentario de Mario Gandelsonas a propósito de las críticas que provocó el frente de cristal de su primer proyecto en Brooklyn. “Cuando se produjo la primera pedrada y un vidrio roto, los compañeros del autor del atentado lo corrieron y, cuando lo capturaron, le dijeron que era la primera y la última vez que tolerarían algo así, porque el edificio ‘era de ellos’ y la próxima vez iría preso por dañarlo”.

Para paliar las adicciones malsanas que atacan a la adolescencia y la juventud del vecindario, contar con centros donde se produzcan encuentros deseables, que apunten a la salud física, mental e intelectual en un ambiente divertido, es un objetivo que me parece esencial. Ésta era la premisa del programa que se elaboró como base para la ejercitación planteada a Lalo y sus estudiantes.

El desarrollo
Un grupo de 12 alumnos de ambos sexos llegó a Buenos Aires el 30 de mayo. Su profesor había arribado una semana antes y coordinó con los arquitectos del Casco Histórico la preselección de terrenos que sirvieran como escenario real para el ejercicio. Se eligieron 6 para que los alumnos pudieran a su vez decidirse por cuatro.
En efecto, a los 12 norteamericanos se agregaron 4 alumnos del Taller de Jorge Sarquis en la FADU de la Universidad de Buenos Aires, los que se repartieron en los 4 equipos, de manera que en cada uno de los grupos iban a trabajar 3 estudiantes de San Francisco y uno local. Durante una semana se empezó con una clase dictada en el CH, primero por quien esto escribe y luego por la arquitecta Graciela Labato.
Hubo recorridos por el barrio de San Telmo, que fue elegido como base por los estudiantes y su profesor, con el asesoramiento de los expertos del CH encabezados por el arquitecto Juan Canz, con quien visitaron una casa de apoyo a los jóvenes en situación de calle en Paseo Colón 1366.
Durante las semanas siguientes, los equipos trabajaron en un taller de la Universidad Di Tella, donde elaboraron sus propuestas en forma gráfica y en sendas maquetas.
El lunes 22 de junio se hizo la presentación de los 4 anteproyectos ante un Jury que integró el profesor Lalo Zylberberg conmigo, el arquitecto Jorge Sarquis y tres docentes de la Di Tella. Fue una jornada muy estimulante y positiva por las expresiones vertidas, tanto por los miembros del tribunal a cargo de las evaluaciones como por los estudiantes autores de los trabajos.

Supongo que en corto plazo daremos a conocer los proyectos realizados. Entre tanto, el experimento ha sido a todas luces positivo. Para el profesor Zylberberg y sus alumnos resultó muy entusiasmante trabajar en un tema tan real como necesario, en terrenos reales y con perspectivas de ser concretado a mediano plazo. Para nosotros, que impulsamos la idea a partir del interés que despierta en el vecindario y en la sociedad en general una iniciativa que debe dejar de ser una utopía, es el comienzo de una etapa de realización efectiva.
Ahora, sobre la base de los mejores proyectos, buscaremos los medios para lograr su concreción.

Fuente: Un experimento varias veces positivo

Arquitectura y sociedad
Algunos de los lectores de esta columna saben que uno de los más célebres arquitectos de Medellín, Laureano Forero, es mi amigo y fuimos socios en la realización de un proyecto construido en Rosario. Hace algunos años, con motivo de un viaje que hice con mi esposa a Panamá, aprovechamos la ocasión para pasar unos días en Medellín, en la casa del Nano Forero.
Pudimos experimentar entonces el proceso vivido en esa ciudad a partir de la llegada de Fajardo a la alcaidía y vimos algunas obras de Forero en barriadas bravas, como el Centro de Aranjuez. Y viajamos en el Metro, una obra que luce como el eje del desarrollo del Plan, y subimos en el Cable al barrio de Santo Domingo, otro vecindario bravío situado a unos 800 metros de altura con respecto al centro de la ciudad.
De Santo Domingo y Aranjuez puedo contar dos episodios que ayudarán a entender los alcances de esas obras.
Cuando llegamos a la última estación del funicular, y mientras el matrimonio Forero y mi esposa empezaban a pasear por la calle principal de lo que fue hasta hace poco otro escenario, me quedé sacando fotografías desde la parada del cable. Entonces, un anciano se acercó y me comentó que apenas un año atrás yo no estaría haciendo eso, primero porque seguramente ya no tendría la cámara y segundo porque quizá ya no estaría con vida.
Al terminar mi recorrido por el Centro de Aranjuez, estupenda obra de Forero, bajábamos en un ascensor y le pregunté al ordenanza que nos guiaba cuánto hacía que ese conjunto se había edificado. Cuando me lo dijo le pregunté ¿tantos años y no hay una rayadura en el ascensor?, a lo que me respondió con un gesto de asombro ante un pregunta estúpida: ¿cómo lo van a rayar, si es de ellos?
Un episodio similar hubo en el Bronx neoyorquino cuando se le preguntó al arquitecto Mario Gandelsonas si no era riesgosa una fachada de cristal para un centro juvenil de ese vecindario. “Al primero que rompa un vidrio, lo fajan sus propios compañeros”. Al escuchar esto uno evoca los ascensores de la Facultad de Arquitectura y se ruboriza avergonzado.
También debe avergonzarnos observar la atención puesta en el proyecto y construcción de bibliotecas, un tema que aparece publicado en España todos los meses, y se lo ve en los EE.UU. con frecuencia, pero entre nosotros ha desaparecido del repertorio.

Por cierto que sería ingenuo pensar que con buena arquitectura se resolverán temas tan graves como los de la exclusión y sus consecuencias. Pero también es cierto que cuando se pone el acento en la aplicación de recursos y talento en la resolución de esas cuestiones, las respuestas positivas empiezan a verse.
Hay que agradecer, pues, al señor Sergio Fajardo y a su talentoso equipo de colaboradores porque nos alienta saber que en América latina hay ejemplos concretos a seguir.

Fuente: Un señor llamado Sergio Fajardo

Dos escritos ilustrados
El ocio y el silencio, que es uno de los rasgos más envidiables de Colonia del Sacramento, me permitieron encontrar y leer dos trabajos firmados por CC.
Ambos ensayos están fechados el 4 de abril, pero a pesar de mi ignorancia en temas de “navegación”, creo que hay uno anterior (“Crisis del Poder y la Arquitectura como Espejo”) y otro todavía más reciente: “La desconstrucción (sic) como juego rebelde contra lo antiguo”.
Los dos trabajos son relativamente largos, lo que no me permite realizar una reseña en el espacio del que dispongo, y están ilustrados con una técnica de collage, en la que a veces se incluyen leyendas alusivas.
Cómodamente ubicado en una reposera, casi siempre al sol, me lo pasé subrayando párrafos, marcando con flechas, señales o signos de admiración y de pregunta, por el acuerdo o el rechazo a determinadas afirmaciones.
Caveri es un maestro, en el más amplio y extenso sentido del término, por eso parece haber un exceso de citas para alguien que se muestra pletórico de reflexiones propias. De convicciones e interrogantes, de una sólida madurez, para decirlo en una palabra (o dos).
Hay algunas definiciones que rezuman el ingenio y la sapiencia de alguien que puede condensar en pocas palabras pensamientos que, en otros autores, cubren numerosas páginas. Como suele ocurrir, en el marasmo de hojas que se formó con las 29 carillas impresas de Caveri, no encuentro los fragmentos que había marcado. Trataré de reproducir lo mejor posible: cuando habla de la “desconstrucción”, como decidió denominar a este movimiento, dice que los desconstructivistas le recuerdan a esos jóvenes rebeldes, opuestos al establishment y a todo en general, que sin embargo siguen viviendo y alimentándose en la casa de los padres. Magistral.
Aunque empieza con Hegel, pasando no obstante por Parménides y otros griegos y romanos, aunque no sé por qué alude al pensamiento “semito-cristiano” en lugar de nombrarlo como es: judeo-cristiano, Caveri llega a la más caliente actualidad. Y habla de la juventud marginal sumida en el paco y el hambre de tener, y llega a “hoy el quiebre de la timba financiera”.
Casi siempre asoma su arista polémica y controversial, y exclama “Basta de arquitectos diseñadores que desde su mesa de dibujo hacen modelos para repetir y que nunca bajaron a ayudar la autoconstrucción, donde el proyecto surge del diálogo con el futuro habitante de la vivienda. Basta de fachadas neoliberales en los countries, pero basta también de esos juegos desconstructivos de los que se creen progresistas”.
Entre las citas y referencias, que reitero pueden ser sobreabundantes, hay una al comienzo del segundo ensayo que fue extraída de Ornamento y delito, de Adolf Loos, y dice: “La sociedad no tiene necesidad de arquitectura sino de viviendas, que mientras falten viviendas será inmoral gastar dinero transformando las viviendas en arquitectura, porque si no sirve a las necesidades prácticas es inmoral y si las sirve no es arte”. Caveri refuta esta sentencia, pero prefiero dejar mi comentario para otro artículo, sobre todo al pensar que acaba de cumplirse un siglo de su formulación por parte de un tipo singularmente duro y lúcido.
Y aquí termino, agradeciendo a Claudio Caveri por las obras, las iniciativas y las cavilaciones, que siguen dando motivo para el debate y el acuerdo, y por incentivar ese ejercicio tan devaluado en nuestras universidades, que es el de pensar.

Fuente: Sobre Claudio Caveri

La Battersea Power Station
Fue hace tres cuartos de siglo, en 1933, cuando empezó a funcionar la central eléctrica que proyectó a orillas del Támesis el arquitecto Giles Gilbert Scott. A mediados de los ’80 se detuvo y permaneció inactiva durante 25 años.
En 2007 se iniciaron los primeros bocetos de Rafael Viñoly en un predio que, además de la mole edilicia con las 4 chimeneas blancas, abarca 15 hectáreas.
Una dimensión y un marco que, para alguien como Rafael, resultaban altamente inspiradores.
Según cita El País, el autor (que el periódico menciona reiteradamente como “el arquitecto uruguayo” o “el montevideano”) señaló: “El proyecto propuesto combina diferentes usos en forma balanceada para asegurar la integración urbana, proveer una nueva solución en el transporte y establecer una estrategia energética que reduce radicalmente el consumo al tiempo que genera un complemento no contaminante a través del uso de energías renovables”.
Hay que aclarar que al contrario de la otra usina, que hoy es la Tate Modern, la Battersea Power seguirá generando energía, pero sus chimeneas sólo expulsarán vapor de agua.
El nuevo vecindario contendrá departamentos, un hotel de lujo, un anfiteatro para 2.000 personas, comercios, escuela y dispensario médico.

El dilema de “la chimenea”
La gran controversia originada en Londres, a la que alude el título del diario, hizo centro en un rasgo destacado del proyecto, una torre de 300 metros de altura bautizada desde el comienzo como “la chimenea”.
Esta pieza arquitectónica, que a mi me parece excepcional por su armónica resolución, dio motivo a múltiples objeciones que partieron incluso de Boris Johnson, intendente de Londres. Se rechazaba, además del “impacto para edificios patrimoniales”, la altura singular del volumen propuesto.
A esos argumentos, Rob Tincknell, director ejecutivo de Treasury Holdings -la empresa desarrollista- dijo: “La conservación de la Battersea Power Station junto a la arquitectura contemporánea va a realzar su importancia al yuxtaponer lo viejo con lo nuevo”, y agregó que “los londinenses tienen un apego emocional fuerte con este edificio (ver una nota más adelante), pero la mayoría quiere ver algo positivo funcionando allí. Vamos a alcanzar y superar sus expectativas”.
Con relación a ese “apego emocional”, Viñoly destacó, como respuesta a las críticas, “Si yo les mostrara las cartas que escribía la gente en la época en que estaban construyendo la planta, ¡la gente la odiaba!”. Cosas que suelen acontecer.
De todos modos, el debate resultó corrosivo para Rafael: en diciembre último se bajó a 250 metros la altura de la torre, y este año la “chimenea” desapareció del proyecto.

Lamentable
Con el paso del tiempo, uno adquiere -eso creo por lo menos en mi caso- una sensibilidad que lo habilita para juzgar una creación arquitectónica y urbana. Basado en eso, y sin pecar de infalible, opino que es una pena, es lamentable que ese hermoso volumen cilíndrico no forme parte del proyecto de la Battersea Power Station. Y espero confiado en que el buen sentido, esa virtud que caracteriza a los ingleses, prevalezca. Y que “la chimenea” vuelva a su lugar.

Queda claro que, a pesar del título, esta no es una crónica de viaje. Pero sin duda alude a una cuestión que quizá no hubiera captado de este modo en Buenos Aires. Ciudad que es, fuera de toda discusión, el escenario en el que se formó y maduró Rafael Viñoly como arquitecto.

Fuente: ¿Crónica de viaje?

Hay una circunstancia que aumenta la curiosidad por acceder a los textos que, inteligentemente ilustrados, ofrece el libro de marras. Porque se cumplen ahora 30 años del seminario que le dio origen, el Seminario de Diseño Arquitectónico desarrollado en la empresa SADE por los colegas arriba mencionados. Eso ocurrió en 1979 y se llevó a cabo la desgrabación de las cintas magnetofónicas originales, de cuya revisión y compilación se ocupó JMBV.
Cabe consignar que la ruta principal del curso es piloteada por Pando, el que da intervención sucesivamente a Amancio Williams y Alfredo Casares.
Como bien lo destaca Ramón Gutiérrez en la Introducción, es elogiable la disposición positiva de una empresa de ingeniería y construcción como lo fue durante muchas décadas SADE, para promover un ciclo de este nivel donde se abordara a la vez el conocimiento académico junto con la reflexión y la capacitación práctica. Y una iniciativa como esa se explica con la figura de Vittorio Orsi, un ingeniero humanista, un empresario de avanzada de cuyos quilates habla muy bien el escrito que preparó para el libro a los 90 años de vida. Es imposible reproducir aquí un mensaje que no tiene desperdicio, permítaseme entonces copiar un párrafo extraído entre los objetivos de Orsi para su empresa: “Transferir, hacer permanente el vital elemento afectivo, expresado en nuestro comportamiento y relación con nuestro personal, educado, gentil e innovativo. Transformar el estilo de coraje, de afectuosidad, de no mediocridad, en una tradición”. Para no olvidar.

Con el resto de este volumen me ocurre algo análogo. Estoy tentado por la transcripción de fragmentos que considero antológicos, pero me someto a las limitaciones de espacio y supongo -deseo- que muchos de los lectores buscarán Hablan de diseño para recibir de primera mano esos pensamientos de boca de sus autores.
Las ironías de un cuerpo universitario que trabajó -y trabaja- desde que tengo conocimiento del tema (casi 60 años) en compartimientos estancos las experimento al leer las lecciones de Horacio Pando, que empiezan con sendas citas a Martin Heidegger y José Ortega y Gasset. Porque, sin saberlo, en mis clases iniciales yo mencionaba Bauen-Wohnen-Denken (Construir-Habitar-Pensar) del filósofo alemán, y la aguda réplica de Ortega en una brillante conferencia, ambas intervenciones en aquel imprescindible Coloquio que se realizó en Darmstadt en 1951.

Debo decir que para comentar esta obra, aunque fuera en forma tangencial como lo hice hasta ahora, me tocan las generales de la ley (como dicen los abogados) porque tengo hacia Alfredo Casares un sentimiento muy hondo de admiración personal y profesional. Fui durante dos años alumno de su taller de Composición Arquitectónica, y fue un honor para mí que ni yo ni el maestro olvidáramos ese lapso. Por eso valoro las intervenciones de amigos y colegas como Alfredo Joselevich, Guillermo Mérega, Juan Carlos Mantero y Alberto Bellucci, los que me conmovieron por las palabras que dedican a sus profesores, maestros en el oficio y la profesión que elegimos, y también en la escala de valores que decidimos aplicar en la vida.

Hablan de diseño es para mí, y espero que lo sea para muchos, un libro de cabecera, un texto para subrayar y escribir al margen; y cabe agradecer a Juan Manuel Boggio Videla la idea de rescatar aquellas viejas grabaciones, esas antiguas fotografías, y volcarlas en un volumen fresco y absolutamente actual. Ojalá se cumpla la recomendación de Oscar Niemeyer, y como resultado de la misma, se lea este hermoso libro.

Fuente: Lecturas que inspiran

La frase, que me pareció llena de cariño y admiración, la pronunció uno de los oradores en la inauguración de dos muestras que se exhiben en el MARQ y que incluyen la que rotularon “Frank Lloyd Wright: dibujos y maquetas” con un subtítulo que reza Dibujos del Portfolio Wasmuth (1910), colección Arq. Ricardo Rosso.

Volver a vivir

Para los que habitamos una facultad en la que -antes de que se discutiera en términos políticos o ideológicos- el tema de debate pasaba por el enfrentamiento entre los racionalistas (que enarbolaban las banderas de Le Corbusier y Mies van der Rohe) y los organicistas (que veneraban a Wright y Alvar Aalto), recorrer estos paneles equivale a una sensación de “volver a vivir”. En un momento dado, la visita del genial e histriónico Bruno Zevi volcó la balanza a favor de la arquitectura orgánica y enriqueció el nivel de las controversias con un soporte teórico más consistente.
Eran los años en los que se terminaba la sede neoyorquina del Guggenheim en la 5ª. Avenida, con los ecos que aquella obra singular provocaría entre la crítica y los habitantes de la ciudad de los rascacielos.
Ahora, los que recorríamos la muestra el viernes, nos mirábamos con un gesto cómplice que musitaba algo así como “ahora van a ver los muchachos que se pudieron crear espacios cautivantes y novísimos sin necesidad de computadoras”, o como me señaló Iglesias Moli con énfasis, mostrando un corte perspectivado: ¡esto es a mano alzada!.
Está claro que, por encima de enfoques nostálgicos (a los que no me sumo en modo alguno) lo que se admira cada vez que uno regresa a esta iconografía wrightiana, es el sabio manejo de las relaciones interior-exterior, la riqueza expresiva de los espacios y la limpieza de las soluciones constructivas.
Sin hablar del diestro y riguroso tratamiento del paisajismo en el contorno de las masas edificadas.
Hace justo un siglo, en 1909, se terminaba la Robie House, una pieza de arquitectura ineludible para ilustrar los puntos liminares del lenguaje contemporáneo. En un terreno muy estrecho sobre una esquina, ese muchacho Wright logra diseñar una vivienda que todavía hoy, cien años más tarde, asombra a todos los que la visitan, que se mudarían allí de inmediato. Porque a diferencia de otras casas modernas, gratas a la vista y muy fotogénicas, pero no tan vivibles, la Robie es acogedora y cálida, íntima y generosa en vistas hacia y desde el exterior. El doctor Robie, su propietario, que vivió en esa casa durante muchos años lamentó, en un texto inolvidable, su partida de aquel hogar cuando tuvo que hacerlo por razones familiares.
Un año más tarde, Wright viajó a Europa e hizo una exposición de sus obras en Berlín, lo que provocó expresiones admirativas poco frecuentes en ese continente cuando el destinatario, como en este caso, era un norteamericano joven (tenía poco más de 40 años). Uno de los más entusiastas panegiristas de la producción exhibida fue Ludwig Mies van der Rohe, quien tuvo frases muy ponderativas para Wright, algunas de las cuales citó Boggio Videla en su discurso de la presentación.
Pues bien, el contenido de esa Exposición de Berlín fue recogido y editado en 1910 en una carpeta que se conoció como el , documento que en versión facsimilar guarda celosamente el arquitecto Ricardo Rosso.
Ese material es el que se exhibe en el primer piso del Marq, mientras en la planta baja hay una ingeniosa gráfica que ilustra la larga trayectoria del maestro, más de setenta años de trabajo ininterrumpido, además de un video que reproduce momentos de su vida y su producción.
Voy a parecer un tanto reiterativo, pero creo que no puede dejar de concurrir al Marq nadie que se interese por la arquitectura contemporánea, para ubicarse en el continuum histórico que nace en los finales del siglo XIX en Chicago y que hizo cumbre con la labor de ese muchacho Frank.

Fuente: Ese muchacho Frank

Fuente: Y se nos fue el Togo…

Cuando el director James Ivory hacía los preparativos para filmar esa obra maestra que es “Lo que queda del día” (The remains of the day, 1993), le propuso a Anthony Hopkins que, para completar la composición del mayordomo que debía interpretar en el filme, tuviera una entrevista con alguien que tuvo ese oficio durante toda su vida. Se hizo el encuentro, como es natural, a la hora del té, y Hopkins contaba que en todo su diálogo no pudo sacar nada en limpio que le fuera útil para armar su personaje.
Mientras acompañaba al mayordomo hacia la salida, como último recurso, Hopkins le preguntó: En definitiva, señor, ¿qué es un sirviente?. Y recibió como respuesta la siguiente definición: “Sirviente es alguien que, cuando entra a una habitación, ésta resulta estar más vacía que antes de que él entrara”. Los que han visto la película -y yo la volví a ver después de escuchar el relato de Ronald- comprobaron en qué medida le sirvió al actor esa descripción del mayordomo que debió interpretar.
Todos los que escuchamos la anécdota quedamos muy impactados, incluso al narrarla en grupos de amigos, percibo una extraña sensación al hablar de esa vaciedad de alguien cuyos sentimientos son tan difíciles de captar.

La nueva sede de PROA
Es un placer, y lo seguirá siendo durante mucho tiempo, visitar y recorrer la nueva sede de la Fundación PROA en la Vuelta de Rocha del barrio de La Boca. Ya fue genial en su momento la idea del grupo Techint al decidir instalar en ese emplazamiento un centro de arte dedicado en especial a las muestras de arte plástico contemporáneo. Basta recordar aquella construcción de John Heyduck en la vereda (La cabeza de la Medusa), o las pinturas de Tomás Maldonado, o las paredes incandescentes de Sol Lewitt, para valorar los aportes de PROA a la difusión del arte moderno.
La ampliación que diseñaron los mismos arquitectos responsables del primer edificio, los italianos Caruso y Torrichella, de Milán, es un alarde de sapiencia y refinamiento, de creatividad y conocimiento constructivo. Es una propuesta de arquitectura actual que respeta y exalta el lenguaje de las calles boquenses en un fascinante contrapunto.
Ahora bien, la iniciativa que propuso inaugurar esta flamante sede con la obra de Marcel Duchamp me pareció trascendente desde el punto de vista documental e histórico. Nada más.
Como experiencia estética, artística o poética el resultado se parece a lo que le dijo el mayordomo a Anthony Hopkins pero en una transposición relativa: uno sale más vacío de lo que estaba cuando entró. Las elucubraciones teóricas, las explicaciones que, por otra parte nunca necesitó el arte y menos en el caso del arte abstracto o concreto, o el surrealismo, resultan ingenuas y redundantes. Los juegos de palabras, los anagramas, parecen recursos de carácter demasiado naiff y sólo los explica el año en que se enunciaron o la devoción que por la obra de Duchamp tienen todavía los curadores y las cronistas que trabajaron casi como arqueólogos en la elaboración de esta gran exposición y su no menos grande catálogo.
La crítica sí, complaciente y simplista, se puede asimilar de manera literal al personaje del sirviente de Hopkins.

Abordaje personal
Durante muchos años fui un incondicional admirador de Marcel Duchamp y su visión iconoclasta del arte convencional. Me parecía que su misión era la de un revolucionario y como tal iba al sacrificio.
Debo aclarar que llegué a él a comienzos de los 50 de la mano de Juan Esteban Fassio, compañero de trabajo y amigo durante varios años, hasta que se marchó a España dejándome (su afán de coleccionista era tan amplio que tuvo que repartir entre muchos amigos sus libros, y a mí me tocó su colección de discos eróticos, de los que fui depositario durante años). Ayudé a Juan a comprar una caja negra, apaisada y con un seno de gomapluma en la tapa; recuerdo que ese pecho femenino tenía tiznado el centro como prueba de las manos que habían probado tocarlo, y en su interior había un cúmulo de papeles, recortes y facsímiles de notas manuscritas. No vi esa caja en la exhibición de PROA, pero tampoco la busqué. Cuando la tuve entre mis manos no había cumplido 20 años, y ahora ciertamente debo haber caído en eso que llaman “el viejazo”.
Porque ahora, cuando advertimos que los herederos de aquellas ideas podían llamarse Demian Hirst o Jeff Koons; cuando observamos con alarma que esos engendros mal llamados “piezas de arte” ocupan páginas en los suplementos de cultura en las que se habla -por encima de méritos o deméritos- de los millones pagados en una subasta para adquirir los animales en formol y sus cajas de caras transparentes, sospechamos que la evolución operada en el campo del arte a partir de aquellas travesuras y juegos aventurados de Duchamp, resultó malsana.
Y aclaro que he pluralizado las expresiones de esta última parte porque al conversar con los espectadores que habían recorrido la muestra de PROA, al pedir una opinión sincera, todos coincidían en encogerse de hombros y mirar para otro lado. Nadie, y hablo de jóvenes y maduros, había experimentado emoción alguna. Positiva o negativa, no había admiración ni enojo, sólo indiferencia y vacío.
La suma de los elogios era para el continente, los espacios, la luz, las texturas de materiales en estado natural, incluso la fragancia de la madera y los brillos de los metales. El juego de transparencias y opacidades, las vistas formidables del contorno multicolor y el riachuelo como fondo con los puentes y los barcos. Todo eso minimizaba la reacción ante lo que se exhibía y ponía en discusión -una vez más, y van…- las nociones de arte y estética.

El título, Marcel Duchamp: Una obra que no es una obra “de arte”, empieza por colocarse al margen de la posible controversia, y en mi caso, además de no buscar el catálogo (ya dije que accedí a MD hace casi seis décadas y de la mano de un fanático de su persona, Juan Esteban Fassio, que murió pobre y olvidado en L’ospitalet de Llobregat, Cataluña) me limité a caminar por toda la muestra como un espectador neutral.
Así verifiqué que en algunos trabajos es más interesante y atractivo el título que la propia obra (es el caso de La Mariée mise à nu par ses Célibataires, mëme, por dar el ejemplo más sonoro); que algunos ensayos ópticos son de gran anticipación y recuerdan ensayos de Julio Le Parc; que uno pasa frente a piezas “clásicas” en la producción total de Duchamp (como el mingitorio o la rueda de bicicleta) sin sentir más que aquella actitud cholula de turistas en el Louvre, cuando se paran delante de la Mona Lisa y hacen una marca en su catálogo-guía que significa “ya la vi”.
Mientras escribo estas líneas finales, concluye en la costa del Riachuelo esta exposición singular de la obra de Marcel Duchamp (o como lo bautizara Julio Cortázar, Marcelo Del Campo). Supongo que se hablará de ella durante un período más o menos prolongado: mientras pido una disculpa a Jorge Helft y a Adriana Rosenberg, repito que yo salí más vacío de lo que había entrado.

Fuente: Más vacío que antes de entrar

Destaca al comienzo AZ -y no es para menos- que Miguel Milá (Barcelona, 1931) recibió este año el Compasso d’Oro en Torino, un premio que nunca antes había recibido un diseñador español. Y vale la mención además porque Milá encarna el tipo de creador que hay que exaltar por la coherencia demostrada en más de medio siglo de trabajo ininterrumpido.
Siempre sostuvo Milá que su pretensión era mantenerse al margen de la moda y aspiraba, a la vez, a que sus diseños no pasaran de moda. Lo que, con creatividad y calidad, ha logrado a punto tal que empresas como Santa & Cole exhiben creaciones de Miguel Milá en su catálogo y que, como afirma AZ, “siguen estando a la última”. Porque eso es el buen diseño, lo que le permitió superar, en más de 50 años de su despacho, momentos de crisis no sólo económicas sino incluso ideológicas y estéticas.

Eterno dilema
El artículo de Babelia cita varias veces a Juli Capella (a quien puse en primer plano en mi nota anterior), porque por su experiencia y su dominio de este campo tiene una visión abarcadora y sapiente: “Hay que creer en el diseño para no recortar ahora su partida presupuestaria. Se necesita haber comprobado cómo funciona, no como valor agregado sino como valor intrínseco”.
Otro experto en la materia, el alemán Rolf Fehlbaum, traza una sutil reflexión a propósito de las ventajas y los riesgos que genera una situación como la crisis que recién asoma: “Una crisis -afirma- reduce la voluntad de arriesgar y probablemente la de experimentar. Por un tiempo eres más crítico con lo que haces. Eso no es malo, pero la innovación y la creatividad quedarían muy dañadas si durante mucho tiempo uno se prohibiera soñar”. La última parte de este pensamiento merece ser subrayado.
Sin embargo, él mismo responde a aquella afirmación pesimista y formula una sentencia que me parece un planteo equilibrado ante este dilema creatividad-pragmatismo: “Los tiempos difíciles son buenos para el diseño. Ofrecen la oportunidad de crear una cultura material para una nueva era económica y social”.
Es muy posible, diría que es seguro, que diseñadores como Alberto Alessi o Phillipe Starck sepan enfrentar este nuevo desafío con igual inventiva y sentido plástico que los que pusieron de relieve en épocas de bonanza y ostentación.
Y hay incluso conclusiones que debieran ser examinadas en el flanco comercial del territorio que estamos transitando. En ese sentido, Fehlbaum, con la sapiencia que le otorga manejar una empresa como Vitra, recomienda la diversidad de productos como otra clave del éxito comercial. Es innegable que producir para el hogar y la oficina, incluso -agrego- para el equipamiento urbano, permite llegar a más lugares, y esa pluralidad contribuirá a mantener el nivel de ventas aún cuando éstas bajen en alguno o todos los rubros del abanico.
Y para eso habrá que reducir el capricho formal pero manteniendo en alto la mejor calidad. Alguien dijo que, cuando no hay publicidad, el diseño decide la primera compra, pero la calidad asegura la segunda. Calidad, pues, es lo que hay que añadir a la fórmula de Juli Capella: “Ahora es táctico introducir buenos diseños que ofrezcan novedad, sencillez, funcionalidad y belleza a coste bajo”. Y esto lo consigue el buen diseño.
Es por eso que sostengo la afirmación del encabezado, estoy seguro de que el diseño sacará provecho de la crisis. Y los usuarios también.

Fuente: El diseño sacará provecho de la crisis

El libro al que me referiré a lo largo de estas líneas fue editado en setiembre de 2005, pero llegó a mis manos a mediados del año pasado en ocasión de una visita que hice al estudio barcelonés de ese gran colega y amigo que es Juli Capella, quien firma el trabajo junto con Ramón Úbeda.

Cocos es el título de este hermoso volumen y, según se explica en una nota de los autores, el promotor de ese nombre es el creativo Damián Sanz, impulsor de unas jornadas sobre copias en el diseño gráfico, ilustración y publicidad que se realizaron en Lleida a finales de los años 80 con el rótulo de “1ª Mostra COCO”. Por otra parte, en el subtítulo la cosa toma cuerpo, ya que dice: copias y coincidencias en defensa de la innovación en el diseño.
El tema que abordan Juli Capella y Ramón Úbeda -responsable del diseño gráfico- ha sido, y es, materia de múltiples encuentros, mesas redondas, teleconferencias, debates y publicaciones (una acaba de aparecer hoy, domingo 25 de enero, en el suplemento ADNcultura del diario La Nación), y a eso obedece el encabezado de este texto, porque creo que en el enfoque y en las palabras de los 18 invitados a expresarse en sus páginas, es donde el libro da en el clavo.

Recurrente pero válido
Con Jorge Ciaglia y la gente de su empresa argentina, Colección, se han llevado a cabo reuniones y seminarios destinados a señalar y poner en la picota esto que hoy ADNcultura titula en su portada como “Esa costumbre de falsificar”. Tuve oportunidad de participar en algunas de esas jornadas y de escribir en torno de este complejo problema del mundo actual, y es por esa razón que formulo aquí el elogio de COCOS y recomiendo su lectura y divulgación.
El propio Capella advierte en el primer párrafo de su libro que “Afrontar un tema tan delicado y espinoso como la copia es peligroso. Mucha gente nos recomendó ‘non meneallo’. Pero pensamos que ya iba siendo hora de tratar este asunto tan cotidiano y flagrante con delicadeza y con rigor, pero también con valentía.”
Luego, el coautor de la obra se plantea una serie de interrogantes que son recurrentes apenas se aborda esta temática: ¿Dónde empieza la imitación?, ¿hasta dónde llega una inspiración?, ¿qué se considera falsificación?, ¿cuándo se comete plagio?, ¿hasta dónde es lícito un homenaje?
En un momento de su razonamiento, Juli Capella se plantea que si bien es plausible que resulte difícil discernir entre dos acuarelas de artistas coetáneos, lo que no admite discusión es que una pluma Montblanc, o es genuina, o está copiada.
No obstante, el mismo JC reconoce que una inspiración puede ser hasta loable. “Copiar a un maestro -destaca- para entender su técnica resulta, incluso, una experiencia recomendable. Añadirle su firma intentar venderlo, es un robo”.
Es preciso reconocer que la informática contribuyó -y contribuye- a facilitar los mecanismos de copia y plagio, lo que se vio multiplicado de manera geométrica en el caso de las tipografías, que antaño eran el resultado de laboriosas tareas de creación y perfeccionamiento, y hoy se limitan a una operación de “corte y pegue”.

Mucho para una reseña
Hemos sido, muchos de nosotros, demasiado indulgentes para tolerar algunas indecencias que a veces, incluso, hemos comprado. Y al respecto es muy categórico Philippe Starck: “Cuando voy a una tienda de mobiliario y veo una copia, no puedo evitar dirigirme al director y decirle que se está matando a sí mismo, que cuando haya vendido las copias, y las productoras que crean no tengan dinero, no tendrá nada que vender. La aceptación de la copia es un negocio a corto plazo que mata la creación a medio y a largo plazo”. Este razonamiento es contundente y cierto, sobre todo cuando se recuerda que esa que Starck llama “la productora” es la firma que ha invertido dinero en la investigación, la fabricación de matrices y herramientas y la producción de prototipos para su análisis y estudio antes de lanzar una pieza al mercado.
En las retiraciones de tapa y contratapa, esta edición muestra en imágenes el núcleo del tema. Se ve la aceitera-vinagrera diseñada por Rafael Marquina y una cantidad de “hijos”, de los que tiene más de 50 en todo el mundo. Porque Marquina nunca registró su creación, fechada en 1961.
Otra antología similar es la que rinde homenaje a ese genio del diseño de libros que fue Daniel Gil, un hombre que me hizo comprar libros de Alianza Editorial sin saber cuál sería su contenido, imantado por la calidad visual de sus cubiertas. La página 255 -la última- ilustra acerca de los herederos de Daniel Gil.
Pero no puedo terminar esta reseña, que es necesariamente incompleta para aludir a una obra tan pletórica de material para la reflexión y la controversia, sin aludir a lo que se publica en la página 63, que es simplemente patético. La ducha diseñada y fabricada por la firma alemana Hansgrohe, copiada de tal manera en China que la marca Grohe sólo tiene una letra cambiada (Grohi) mientras ni se tomaron el trabajo de crear otro envase u otro logotipo, todo es exactamente igual. Diría mejor, descaradamente igual.
Sí, tiene razón Phillipe Starck cuando sentencia que la aceptación de la copia es un negocio a corto plazo que mata la creación a mediano y largo plazo.
Esto, con todos los matices que impone la ambigüedad de un asunto que es tan amplio en el campo del arte, el diseño y la industria, queda palmariamente demostrado en este fascinante volumen que, con el nombre de COCOS se imprimió en Barcelona con el sello de Electa.

Fuente: Un libro que da en el clavo

Fuente: Homenaje a la luz de la Solana

El año que se va (o se fue)
Todo lo dicho hasta ahora se disuelve irremisiblemente en las últimas semanas de diciembre, cuando esa frontera que divide al año que se extingue del que ha de comenzar a andar impone a la gente un vértigo de “fin del mundo” que la hace correr sin motivo mientras mentalmente traza un balance.
Y en todas las actividades humanas el fin de año determina la aparente obligación de anotar los hechos -positivos o no- acontecidos en este período.
Voy a procurar, por razones obvias, no incorporar en este análisis episodios de índole personal, que los hubo y en todas las escalas. Pero como en algunos casos tuve participación en encuentros nacionales e internacionales que, a mi modo de ver, son significativos al dibujar una curva valorativa de los hechos relacionados con la disciplina en el 2008, los referiré.
Entonces, la lista debiera comenzar a mediados de año, porque entre fines de junio y la primera semana de julio se hizo en el predio del Lingotto, en Torino, el Congreso Mundial de Arquitectos patrocinado por la UIA (Unión Internacional de Arquitectos). El escenario era el predio donde estuvo la planta industrial de la FIAT, reciclado con los criterios de Renzo Piano y acondicionado para servir precisamente en la realización de congresos y ferias.
En ese marco se llevó a cabo lo que juzgamos como un buen Congreso, con los ingredientes que pueden dar lugar a conclusiones de valor para el futuro y con presencias que no provenían del “star system” (del estudio de Norman Foster vinieron algunos colaboradores que, junto con otros del estudio de Jean Nouvel, trabajan en equipo para un proyecto de playa en Italia). Pero ninguno de los líderes del conjunto pisó Torino ni hizo llegar mensaje alguno.
Y como los asuntos que parecen ocupar un primer plano en la problemática de muchos colegas, docentes y estudiantes de todo el mundo son los vinculados con la condición sustentable de la arquitectura y las ciudades, el cambio climático y los problemas de la energía y la contaminación, todo esto lo resumió al final de su presentación el inefable Jaime Lerner. En efecto, terminó con una frase que lo decía todo: “Necesitamos más eco-arquitectos -dijo- y menos ego-arquitectos”.
Y toda la audiencia, por lo menos en lo que pude observar, estuvo de acuerdo.

Casi en simultáneo con el Congreso Mundial de Torino, al que asistieron más de 9 mil colegas de todo el mundo, lo que ciertamente no es poca cosa, se hizo en Zaragoza una gran Feria del Agua, en la que participaron arquitectos de gran valía a nivel internacional. Porque mis obligaciones me llevaron sucesivamente a Bérgamo, Sevilla, Barcelona y un paso fugaz pero inolvidable por Frankfurt, no pude ser testigo del formidable esfuerzo zaragozano.
Sin embargo, las piezas que vi en fotos y videos me reconciliaron con el diseño de comienzos del siglo XXI. El siempre medido y acertado Patxi Mangado y la siempre excéntrica (en el mejor sentido del término) Zaha Hadid, pusieron su sapiencia junto con lo mejor de la arquitectura peninsular del momento para que Zaragoza vea con mirada brillante y renovada el futuro de su ciudad.

Pero mientras los arquitectos examinamos los dichos y las obras expuestos en Torino y Zarazoga respectivamente, el gran público se ve asediado por las imágenes frívolas y tóxicas que tienen como plataforma de lanzamiento a esa ciudad escenográfica e irreal llamada Dubai. Acabo de leer un artículo de Norberto Cháves en la última página de Summa (número 97), con cuya tesis coincido casi por completo -salvo algunas ideas, y un juicio acerca del Banco de Londres de Sepra y Testa- y cuya lectura recomiendo.
Supongo que todos los colegas hemos tenido que responder en los tiempos recientes a algunos amigos (médicos, abogados, economistas) cuando nos han preguntado a propósito de una torre de viviendas en Dubai en la que todos los pisos pueden girar en forma independiente (¿?). O sobre el rascacielos más alto del mundo u otras banalidades que nada tienen que ver con la arquitectura a secas ni con los problemas que el mundo de hoy nos presenta para resolver con solvencia y prontitud.

Entre nosotros hubo un importante e infrecuente número de concursos, de los cuales hay esperanzas de concreción en muchos casos. Esperamos ver pronto crecer el Palacio de la Cultura del Bicentenario, un proyecto que aparentemente sufre algunos ajustes no deseados (ni por los autores ni por los que ponderamos ideas valiosas en un conjunto edilicio reciclado en los inicios del siglo XXI). Y en el campo específico de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, un certamen en el que me tocó ser uno de los jurados, el destinado al Parque Cívico de la Ciudad, puede significar en su materialización a corto y mediano plazo, un cambio sustancial en la geografía urbana, un desplazamiento positivo de los vectores de crecimiento de Buenos Aires en la medida en que se respeten los criterios proyectuales y la escala de valores que inclinaron la balanza a favor del proyecto premiado.

Conclusión
Como no quise hacer un balance, tómese este texto como un recorrido informal y espontáneo (lo que hace años se llamaba “a vuelapluma” y ahora debiera bautizarse como “a vuelateclado”) de una serie de acontecimientos que quizá nos permitan tomar posición conducente, en un panorama arquitectónico tan variado y tan bastardeado por realizaciones que parecen concebidas para la autosatisfacción de promotores y arquitectos, para dar respuestas a los cada vez más graves problemas que presenta el mundo en materia de inserción social, jerarquización urbana y mejoramiento de las calidades de vida de la población del planeta.

Fuente: ¿Otra vez balances?

Era la media mañana del día de Navidad. En Buenos Aires brillaba un cielo diáfano y empezaba a apretar el calor, pero el aire seco permitía disfrutar de una jornada que -como es natural ese día y a esa hora- lucía serena, casi sin automóviles y sin gente en la calle.
Al pasar por la esquina de Juramento y Cabildo, una imagen me dio tema para el texto que escribiré a continuación, si las ideas vienen al conjuro del llamado y de la pena que me impulsa a llamarlas.

Las cúpulas y las torres
Es cierto, y esto lo defiende con ardor nuestro colega y amigo César Pelli, que las torres también tienen vocación de cielo, pero hay una diferencia a mi juicio esencial. Mientras las torres son básicamente fenómenos objetuales, las cúpulas implican un hecho espacial.
Recuerdo largas charlas con mi ya fallecido amigo Raúl Lier, en las que se hablaba de torres y de sus diversas tipologías, de las que en ese momento Raúl prefería las “extruídas” que se clavaban en el suelo. O sea, una imagen por completo objetual, sin asomo alguno de espacialidad. Lo mismo se daba con la composición de basamento y fuste (con la Lever House como paradigma), o las escalonadas a la manera de nuestro Kavanagh, e incluso a las coronadas por una cúpula, debajo de la cual estaban los tanques de reserva y toda la parafernalia de equipos que se ubican en el coronamiento de un rascacielos.
Yo recuerdo haber llorado al ingresar en la nave de Santa María dei Fiori, en Florencia, con lágrimas felices destiladas por la emoción estética que provocaba la cúpula de Bruneleschi a los que teníamos el privilegio de estar en el interior después de haberla admirado en el perfil de la ciudad (eso que ahora se llama skyline). Algo análogo, pero en menor grado, pude experimentar en el crucero de San Pedro, de Miguel Angel, quien ya lo había pronosticado al anunciarle a la cúpula florentina que haría su hermana, que acaso sería más grande pero nunca sería más bella.
Y más recientemente, en Torino, tuve la suerte de vivir el caso de La Mole, lo que fue la sinagoga de Turín y es ahora un estupendo Museo del Cine, con un ascensor de vidrio en el centro que accede a la terraza superior a modo de mirador del paisaje de la ciudad piamontesa y su entorno fascinante. La Mole es monumental por fuera y por dentro, y es a eso a lo que me refiero cuando hablo del fenómeno espacial de las cúpulas.

Es lo que convalida la demanda del contacto con el cielo del fenómeno convexo, casi sensual, de un domo visto por fuera.

Hay otro tipo de cúpulas, que respeto, aunque tienen otro significado desde el punto de vista estrictamente arquitectónico. Porque funcionan como la “frutilla del postre”, son el coronamiento de una esquina urbana y carecen de visión interior, de espacio esférico, salvo muy contadas excepciones.

Se termina la dimensión destinada a este texto y no quisiera ser ambiguo ni dejar dudas en mis lectores. Cuando se trata de cúpulas, en todo el sentido del vocablo, con valores interiores y externos, debe protegerse el entorno con un cono invertido (como el que rodea la pista de un aeropuerto) para evitar la frustración del contacto con el cielo. Que es lo que percibí en la mañana de Navidad al pasar por la Redonda de Belgrano. Y me dio mucha bronca.

Fuente: Sobre cúpulas y torres

Algunos representantes de la crítica -dicho el término en general, habida cuenta de que son muchos los críticos que abordan del mismo modo a la plástica, el patrimonio o la arquitectura- carecen de una cualidad que resulta muy pertinente en casos como el que hoy abordamos.

Algo muy similar aconteció cuando se emprendió la construcción del complejo del Hotel Hyatt en los fondos del Palacio Duhau, un edificio que resultaría invisible desde la avenida Alvear (cualquiera lo verificaba en un corte, por el fuerte desnivel descendente entre esa avenida y la calle Posadas). Otro argumento tenía que ver con aquella ambigua y nunca demostrada calificación de “impacto ambiental”. Hoy, que se ven muchos habitantes del entorno en la galería de arte que atraviesa la manzana desde Posadas hasta el Palacio, y que se los suele encontrar almorzando en la terraza que mira a los jardines interiores, nadie recuerda las airadas cartas de lectores ni las notas críticas publicadas para juzgar negativamente el proyecto del Estudio Peralta Ramos.

Esta introducción acaso extensa (aunque la comprimí al máximo, porque hay más ejemplos del mismo tenor), viene al caso al analizar lo que se dijo y se escribió con relación a la remodelación del Palacio Ferreyra, de Córdoba, y su transformación en el Museo que es hoy, del que más que nada me sorprendió su nombre, ya que no entiendo qué vincula al contenido de la espléndida obra inaugurada hace un año con la evocación de Evita, tal el rótulo que ostenta.
Por muy diversas razones, entre las cuales no están ausentes el resentimiento y la envidia, hubo una fuerte campaña de correos electrónicos, cartas de lectores, notas críticas en los más importantes diarios, para descalificar y llevar al cadalso al proyecto y a sus autores, el estudio de los arquitectos Gramática, Morini, Guerrero y Urtubey.
Recuerdo que uno de los miembros de ese equipo me llamó desde Córdoba para manifestar su preocupación por algunos injustos comentarios y afirmar el respeto con el que trataron a la obra original, más allá de las reformas que inevitablemente había que hacer para encarar un profundo cambio de programa de necesidades. Yo no podía viajar a la capital cordobesa por falta de tiempo y complicaciones propias de mis tareas. Pero por eso mismo me abstuve de opinar, con la confianza que me inspiraba la calidad de un equipo de colegas que dio sobradas pruebas de su idoneidad y creatividad. Sabía, porque era obvio, que las intervenciones a efectuar en el edificio conjugarían el lenguaje contemporáneo, sin imitaciones ni nostalgias.
Ahora, que hace unas semanas tuve ocasión de visitar el museo que acababa de cumplir su primer año de existencia, confirmé la injusticia de aquellas críticas, la exageración que contenían los comentarios publicados, y una vez más comprobé lo difícil que es para muchos reconocer su error y decirlo, para evitar que quede registrado solamente el semblante negativo, a pesar de que esos juicios pasaron a ser ahora más neutrales e, incluso, ponderativos.
Lo más importante en el trabajo de los arquitectos cordobeses es la pericia que demostraron para conservar y exaltar la dignidad de un edificio tan asimilado en el paisaje urbano de esa ciudad. Y a la vez, cómo se puso de relieve la sapiencia del grupo para obtener en el recorrido interior los mejores logros en cuanto a la escala y las perspectivas cambiantes, para regocijo de los amantes del arte y de la buena arquitectura.
Puede ser que algunos detalles, como el piso de vidrio en el interior del vestíbulo (no el del pórtico, que deja ver los escalones semicirculares del antiguo acceso), parezcan un tanto gratuitos o incluso frívolos, pero se trata de un rasgo que caracteriza a buena parte de la producción museística de los últimos años. A mi modo de ver, el balance general de una visita de varias horas, es por demás positivo y placentero.
La ciudad de Córdoba ha añadido a una larga serie de buenas piezas de noble arquitectura, esta intervención en el Palacio Ferreyra, y creo que es un acto de justicia de mi parte, decirlo y afirmarlo para ratificar lo que supe a poco de regresar a Buenos Aires, que se había concedido uno de los premios que otorga la Sociedad Central de Arquitectos (SCA) y el Consejo Profesional de Arquitectura y Urbanismo (CPAU) al proyecto de los arquitectos Gramática, Morini, Guerrero y Urtubey, decisión que por supuesto comparto.

Y quedo a la espera de algunas retractaciones.

Fuente: En torno del Palacio Ferreyra

Fuente: CONCURSO: José Ignacio Linazasoro reformará la plaza de los Amantes de Teruel

De todas maneras, mi presencia como espectador fue por momentos feliz y de a ratos frustrante por la inevitable coincidencia de temáticas y oradores que a la misma hora se desarrollaban en lugares distantes entre sí. Había, pues, que decidir y descartar, lo que sucede en todos los encuentros multitudinarios de esta clase.

La polémica se suscitó desde el primer día, ya que en su discurso inaugural, el Ministro de Bienes Culturales de Italia, Sandro Bondi, hizo una crítica severa del papel jugado por los arquitectos de la segunda mitad del siglo pasado, enrolados en una tendencia mediática en la que la búsqueda de lucimiento en temas de grandes obras, dejó de lado a la resolución de problemas como el de la vivienda popular. Este anatema del ministro, pronunciado en el propio seno del congreso, tuvo ecos en la prensa diaria de Italia y dio origen a una airada respuesta por parte del arquitecto Massimiliano Fuksas en su conferencia magistral en el congreso, en el estadio de Palavella. Los dos planteos, el del ministro y el de nuestro colega, merecerán en su oportunidad sendas reflexiones, pero me parece que resulta pertinente recordar en esta ocasión la frase de Shalom Aleijem en su comedia Tevie, el lechero (transportada a la comedia musical como El violinista en el tejado): Los dos tienen razón.

Fuente: Apuntes sobre el Congreso de la UIA en Torino