El próximo martes 24 de Enero de 2012 a las 21:30 h. MODAFAD llega a la Fábrica Moritz Barcelona. Esta edición, basada en el apocalipsis, incluirá una espectacular performance lumínica creada por el prestigioso diseñador e ingeniero mecánico Moritz Waldemeyer (más conocido como “Electric Kid”) y contará con la participación de los ganadores de la última pasarela de MODAFAD, Arnau P. Bosch y Alejandra Anglada.

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

MODAFAD, en Barcelona

Esta 32a edición será el pistoletazo de salida de la Semana de la Moda de Barcelona, en el marco de la cual se celebrarán la pasarela 080 y la feria The Brandery. Con la apocalipsis como leitmotiv, el programa incluirá una espectacular performance lumínica con bailarines y expertos en artes marciales creada por Moritz Waldenmeyer, uno de los ingenieros mecánicos y diseñadores más innovadores e inclasificables del mundo. Más conocido con el apodo de “Electric Kid”, Waldenmeyer ha colaborado con algunos de los arquitectos y creadores más prestigiosos de los últimos años como Ron Arad, Zaha Hadid, Yves Béhar, Hussein Chalayan, Troika, Rihanna, Black Eyed Peas, Ok Go, Uno2 o Kylie Minogue entre otros…

Para poder contar con la participación de Moritz Waldenmeyer, MODAFAD necesita el apoyo de todos sus seguidores y por eso ha puesto en marcha un sistema de crowdfunding a través del cual todos aquellos que lo quieran pueden hacer su donación y beneficiarse de las ventajas de ser un mecenas de este acontecimiento único. La cifra que se tiene que conseguir antes del próximo lunes 24 de enero son 10.000 Euros. Se pueden hacer contribuciones a partir de cinco euros a través de este link: www.projeggt.com/project/modafad-moritz/

Antes de la performance de Waldenmeyer se presentarán sobre la pasarela las colecciones “Creatures Ajo Over the City” de Alejandra Anglada y “Queens & Jeans” de Arnau P. Bosch, dos de los ganadores de la última edición de ODAFAD, celebrada el pasado mes de julio. A continuación empezará la fiesta con la música de DJ’s Las Cañas. La gráfica de este año lleva la firma de Animal Bandido, el proyecto de guerrilla y street-wear de Clàudia Font y Zosen.

Más información >  http://fad.cat/

Fuente: MODAFAD, en Barcelona

Se podría decir que no soy un fotógrafo. Apenas un ladrón de recuerdos. Papá me regaló mi primera cámara, una Zeiss Icon con fuelle. A él le gustaba mucho sacar fotos. Años más tarde tuve mi Leica F3, aquella del lente retráctil que usaron los espías y algunos reporteros de guerra como el gran Robert Capa.

“Revisitando los Sesenta”, prólogo

Cuando fui al África compré una Hasselblad con un tele corto para retratos. Aún tengo las tres. Luego llegaron las digitales, tan eficaces por cierto. Amo, miro y leo a Richard Avedon y a Jacques Henri Lartigue. Dos poetas de la luz. También a Henri Cartier Bresson e Irving Penn. “Todo aquello que el retratado hace frente a la cámara, también forma parte del retrato”, dijo Avedon. Estuve una tarde inolvidable con Borges en la Biblioteca Nacional. Un regalo que me trajo la vida.

Viajé con Roldofo Walsh a Chile y visité a Orson Welles en su casa de Madrid. Orson me llevó a la Plaza de toros y me dijo -muy al pasar- “jamás pidas permiso. Jamás.” Después del naufragio, me llevaré a la isla desierta al Ciudadano Kane con el iluminador Gregg Toland,un genio innovador. Y todo cambió desde entonces. También estuve con el Mono Villegas en casa de mis amigos Felisa Pinto y Rubén Barbieri. Con Arturo Frondizi, Leguisamo, Jorge Alvarez y el -por entonces pequeño- Dominic Miller, guitarrista de Sting. Paco Urondo, Manucho Lainez y muchos más.

Tomé fotos de los monstruos escultóricos en el parque Bomarzo de Viterbo, en Salvador Bahia, la obra de Gaudí en Barcelona, en la Gran Muralla China y en Costa de Marfil. Hago fotos por impulso. A veces me salen bastante bien. Otras -muchas- no. Con aquella Leica hice las mejores -creo- de Caras y Caritas en el 1966. Hago diseño hace más de medio siglo pero Revisitando los Sesenta son y han sido mi libertad.

Más información > http://www.arqa.com/?p=314819

Fuente: “Revisitando los Sesenta”, prólogo

En 1971, junto con su socio de entonces, el arquitecto Guillermo González Ruiz, Shakespear diseñó un sistema de señales de tránsito capaz de guiar al habitante hasta su destino sin necesidad de preguntarle nada a nadie. Aquel Primer Plan Visual de Buenos Aires logró ordenar la información del paisaje urbano y hacerle así la vida más fácil a la gente. Ese objetivo ha sido motor y fuente de inspiración de Diseño Shakespear, que en los últimos 50 años se dedicó a transformar el espacio público mediante proyectos de señalización destacados por el uso de un lenguaje visual simple y las tipografías de formas puras. Entre sus carteles institucionales y sus logos publicitarios de grandes marcas, se puede decir sin exageraciones que las calles de Buenos Aires son tal como las vemos por obra de Shakespear. Quizá la obra que mejor lo representa es la señalización de la red de subterráneos porteños, elaborada a lo largo de más de una década a partir de una profunda investigación de las necesidades, costumbres y afectos de los casi dos millones de usuarios que usan cotidianamente las distintas líneas.

Pero la estética de Shakespear también está presente en los pasillos de los hospitales (que diseñó con su hermano Raúl), en marquesinas de comercios, bancos, empresas de correos, shoppings , museos, paseos, parques y hasta en las canchas de fútbol, en todo el país. Un muestrario completo de esos símbolos, desde los carteles del peaje hasta los postes con manitos amarillas de las paradas de taxis, decora su estudio de San Isidro. Allí trabaja un equipo liderado por sus hijos, Lorenzo, Juan y Bárbara. Ronald dice que ahora ellos son sus jefes. La editorial Paidós acaba de reeditar su libro Señal de Diseño. Memoria de la práctica , en el que este pionero del diseño en América latina, que viste pantalón con tiradores, fuma en pipa y habla con florida ironía, reflexiona sobre la necesidad de escuchar a la gente, la base del proceso creativo.

-¿Alguna rama de su familia tiene parentesco con el autor de Hamlet?
-Mi apellido se escribe sin la “e” final. Pero cuando viví en Inglaterra tuve acceso a algunos documentos de William Shakespeare y vi distintas versiones del apellido, incluso escritas por él mismo, y en el acta de nacimiento figura sin la “e”. Yo soy rosarino, cuarta generación de argentinos. Mi padre y mi abuelo nacieron acá. Sé que una rama de la familia llegó en 1850 a la Argentina. He conocido a otros Shakespear en Estados Unidos. En la Capital Federal hay muy poquitos, pero en Rosario hay más.

-¿Hizo algún proyecto público en Rosario?
-Voy siempre a mi ciudad natal. Tengo un amigo en Santa Fe: el gobernador Hermes Binner. Cuando voy a verlo, vamos a comer pejerrey al río. Binner es un hombre muy lúcido y un verdadero estratega urbano, que ha transformado Rosario y ahora hace su trabajo en una provincia con muchas dificultades. Es una ciudad grande, con mucho tránsito en el microcentro y una gran dificultad en la comunicación para los usuarios. Hay un problema de señalización en las paradas de vehículos y en los propios ómnibus. Hace falta clarificar los destinos, las opciones y la señalización de las paradas, y también hacer más cobertizos, porque la gente se moja cuando llueve. Se está construyendo mucho. Nosotros estamos haciendo ahí un nuevo shopping . Mi estudio hizo obras privadas, como Alto Rosario y el Banco Municipal. Lamentablemente, en el espacio público de Rosario no hicimos nada aún. En este tipo de obras hay que ser respetuosos de la gente y de la historia.

-¿De dónde viene su interés por el espacio urbano?
-Lo urbano me llamó la atención, ya que descubrí muy temprano que era un camino saludable para las imágenes, porque quedan en el tiempo. Será por narcisismo o por egocentrismo, pero siempre me preocupó lo efímero de mi trabajo. Las dos cosas que permanecen son las marcas y, por supuesto, las señales. El primer trabajo de señalización fue el Plan Visual de Buenos Aires, en 1971. Abarcaba las señales peatonales, vehiculares y reglamentarias de la ciudad. Hasta ese momento, eran chapas enlozadas, azules, que se pegaban en las paredes de la calle. La Dirección General de Tránsito de la Municipalidad hacía las señales, que eran ilegibles. Nosotros le propusimos el rediseño al municipio. El intendente era un contador inteligente, que nos creyó y con quien tuvimos una buena relación desde el inicio. Descubrimos que existía una Dirección de Mantenimiento, en la avenida Bullrich. Ahí se fabricaron miles de nuestras señales, con ayuda de la Secretaría de Obras Públicas. Salieron a la calle en 1972 y fue un trabajo que hice con mi socio de entonces, el arquitecto Guillermo González Ruiz y un gran equipo.

-En esa época la ciudad era más despojada, con menos polución visual. ¿Eso influyó para el diseño?
-Nací en 1941 y vine a vivir a Buenos Aires en 1945. Soy un rosarino en el exilio. Recuerdo que había muy poca publicidad en las calles. Por lo tanto, es cierto que el nivel de polución visual era magro. Cuando empezó el proyecto del subte, hace 14 años, el drama para la señalización, tanto al aire libre como en interiores, ya era el ataque visual del estímulo publicitario, que había arrasado con todo. Eso deteriora el ambiente a tal nivel que una comunicación pública, fehaciente y taxativa para el uso de los servicios se hace dificultosa, tiene que competir con los avisos. Eso nos obligó a elaborar una estrategia para el emplazamiento, de manera que las señales adquirieran notoriedad dentro del “ruido” visual ambiente.

-¿Cuáles eran los defectos de las viejas señales?
-Las de tránsito, específicamente las de circulación, habían sido hechas por la Dirección General de Tránsito. Eran ilegibles, ridículamente chicas, y estaban compuestas con distintas familias tipográficas. En una misma señal había mayúsculas, minúsculas, negras, blancas, bastadillas, etcétera. En la Dirección eran ingenieros, expertos en administrar flujos de tránsito. Tenían mucha experiencia en sistemas de circulación vehicular. Habían estudiado caminos y sabían cómo construir, pero en cuanto llegaban al terreno de la comunicación, tenían dificultades. Suerte que acá nadie se pierde. Es una ciudad sencilla para circular, de traza ortogonal. Esto no es Londres ni París ni Roma. En todo caso, se parece más a Nueva York: la Tercera Avenida viene después de la Cuarta, y así sucesivamente. La traza ortogonal garantiza el orden.

-¿Cómo hacer comprensible la ciudad a una cantidad de usuarios tan grande y tan diversa?
-Nosotros definimos nuestra misión como la de “hacer legible la ciudad”. Yo viajo mucho a Estados Unidos a dar conferencias. Vivo de eso, le confieso. He brindado charlas en treinta y dos ciudades del mundo. Hay muchas fantasías, mucha gente habla acerca de la teoría de los signos públicos, pero muy pocos los han hecho. Nosotros hicimos tests y focus groups sobre los trabajos de señalización. En el subte se construyeron dos prototipos y, una vez que los terminamos, hicimos un testeo público para ver dónde estábamos fallando, qué era lo que la gente no entendía.

-¿Y qué era lo que la gente no entendía?
-La gente dice cosas maravillosas. Si uno es capaz de escuchar a la gente, es capaz de responder. Se trata de un pequeño gesto de humildad: bajarse del pedestal. En el caso del subte hicimos dos grupos de 300 personas cada uno porque nos interesaba definir, por ejemplo, el tema de los colores. Los colores históricos de las líneas, desde 1913, estaban ocultos o apenas sugeridos en las viejas estaciones. Nosotros los pusimos en los pórticos de acceso. Porque, ¿qué nos decía la gente? “Yo tomo siempre la azul; yo tomo la verde; yo, la roja…” El usuario establece una relación afectiva con la línea que lo lleva a trabajar y ésa es la madre de la comunicación. Fui a la cancha de Boca cuando se despidió Diego Maradona y tengo el recuerdo de un cartel gigantesco: “Si Diego jugara un partido en el cielo, me moriría por ir a verlo”. Y eso que no son semiólogos ni diseñadores. Por eso insisto en que usted puede hacer diseño, pero no si no sabe escuchar…

-Las ciudades son dinámicas. Cambia el paisaje constantemente y los usuarios se renuevan. ¿El diseño no va quedando obsoleto?
-Creo que hay un proceso de envejecimiento, pero la gente es más inteligente y va más rápido, porque hay un consumo de la imagen tan brutal que se va modificando su percepción día a día. Hay que elaborar una estrategia para competir con la publicidad. Un valor de la señalización es la predictibilidad. El público debe saber que la señal está allí, que la va a encontrar siempre allí y que le va a resolver el problema. Eso se da por la secuencialidad. Es decir que cícliclicamente, como las migas de pan de Hansel y Gretel, las señales aparecen en el espacio, guiando al interlocutor. Se puede predecir su presencia, se establece un código. Si eso es posible, sólo nos resta diseñar el objeto señal, su tipografía, su estructura icónica y un color razonablemente idóneo para que sirva y se pueda cumplir el circuito semiótico.

-¿En Buenos Aires se pueden ver las miguitas de Hansel y Gretel? Es decir, ¿se cumple esa predictibilidad?
-No siempre. Las señales de nomenclatura que diseñamos están ahí, pero hace unos años apareció la publicidad en los carteles de las calles [N de la R: la licitación impulsada por el gobierno porteño, que incluye la renovación del mobiliario urbano, actualmente está frenada por una demanda judicial]. Eso es una traición al usuario, que ya pagó los impuestos y tiene derecho a ser informado. Además, atenta contra la percepción, porque el estímulo superior prevalece con respecto al inferior, que es donde está la información. Se lo dije a un intendente en su momento pero él contestó: “Ahora el mundo es así”, y sacó del cajón una foto de un ex presidente con una camiseta de fútbol que decía “Yamaha”.

-¿Usted se ha perdido en alguna ciudad?
-En Venecia. Allí no está mal perderse un rato: suele ser encantador. Pero uno debería resolver el problema lo mejor posible. Me gusta cuando las ancianitas llegan a destino. Mi mamá murió a los 99 años, el año pasado. Hasta los 75, andaba en subte y fue mi crítica más feroz. Cuando no entendía algo, me llamaba por teléfono para quejarse. El viejo mapa del subte era muy curioso, porque estaba hecho al revés. El plano de los recorridos era vertical, en vez de horizontal. Hicimos el mapa horizontal, porque ¿quién escribe en vertical? Los chinos, los pueblos asiáticos.

-¿Cree que las nuevas tecnologías, las redes sociales y los soportes de lectura nuevos van a cambiar los códigos gráficos? ¿En algún momento, en el subte, por ejemplo, toda la información se verá por pantalla?
-En algunos lugares ya es así. Hicimos el shopping Dot, donde la señalización es digital, porque es más barato, más rápido y, sobre todo, porque son tantos los cambios que se suceden dentro del centro comercial que hace falta un medio como ése, que permite registrarlos en el minuto. Cambió de lugar un local, se fue, vino otro, y ahí está, comunicado. El usuario se entera al instante.

-¿Eso obliga a cambiar el diseño tradicional?
-En Inglaterra están probando un plan para reemplazar la señalización fija por otras digitales. Desde un monitor, se envían señales para los días de lluvia, frenado rápido, alta temperatura, avisos de accidente. Es decir, la contingencia, lo que no se puede poner fijo, porque cambia. Me parece que les da buen resultado y el costo es mínimo: finalmente, es apenas un cable. Pero creo que nadie puede ni podrá prescindir del alfabeto. Lo que sí me parece que está cambiando es la administración de los pictogramas. Es decir, los códigos poslingüísticos. Hay muchos y no determinan fehacientemente las cosas. La tipografía es insustituible, salvo algunos pocos códigos como “contramano”, “no pasar”, “calle cerrada”, “stop” y “peligro”, que son universales. Las demás tienen algún tipo de problemas y requieren una explicación verbal contigua. De cualquier manera, la civilización se tomó siglos para aprender los 28 signos del alfabeto, y sería razonable que a un código de pictogramas le demos esa posibilidad del aprendizaje paulatino. Decodificarlo no es tan sencillo. Por ejemplo, hicimos señales internas para todos los hospitales de la ciudad. El director del Hospital Durand, cuando vio la señal de la maternidad con una cigüeña, me dijo: “Shakespear, ¡usted debe saber que a los niños no los trae la cigüeña!”. Me lo dijo muy serio. Pero fue la señal más exitosa. Las señoras que van a parir no están enfermas. Al contrario, van a hacer lo más importante de sus vidas. Pidieron más señales y las imprimimos en grandes cristales: parece que la gente sí cree que a los niños los traen las cigüeñas. Y yo también.

-Debe de ser delicado señalizar un hospital. Si uno llega enfermo y no se ubica bien…
-Sí, hay hospitales donde la gente entra muy traumatizada. Hicimos un código de 18 símbolos: neonatología, cirugía… Fue un trabajo grande y aprendimos mucho. Fue muy provechoso también porque yo creo en los intangibles, en las cosas que pasan después. Las señales tienen que ayudar a la gente a vivir mejor. El diseño sirve para que la gente viva mejor o no sirve para nada. Y la verdad es que me siento satisfecho cuando veo que la gente usa nuestros diseños y los entiende.

-Ahora está diseñando etiquetas de vino. ¿Es más difícil comunicar una marca que una señal urbana?
-Hay un objetivo más comercial, pero le dijimos al cliente que el problema no son sólo las etiquetas. También la botella marca una diferencia en las góndolas. Me parece que ahora viene la etapa de cambiar las botellas. Estamos experimentando en la góndola: el contacto está ahí. Y la compra por impulso define todo en ese lugar. Ahora estamos haciendo seis nuevos shoppings que nos tienen muy ocupados. De todos modos, yo no compro mucho en las góndolas.

-¿Nada? ¿Tampoco vino?
-No soy un bicho de consumo. No apetezco nada fuera de mi música y mis libros. Mi interés principal se halla centrado en las conferencias y en las clases para los estudiantes. Es mi forma de devolver algo de lo mucho que he recibido de mi país.

Fuente > http://www.lanacion.com.ar/1304916-el-hombre-que-cree-en-la-cig%C3%BCena

Fuente: “El hombre que cree en la cigüeña”

Diseño Shakespear presenta dos de sus nuevos proyectos para el año 2012.

Diseño Shakespear, nuevos proyectos

Diseño Shakespear, nuevos proyectos

Diseño Shakespear, nuevos proyectos

Diseño Shakespear, nuevos proyectos

• Reserva Natural Osununú, Misiones
La Fundación Temaikèn posee una reserva natural de 174 hectáreas que se encuentra en la localidad de San Ignacio, al sudeste de la Provincia de Misiones, denominada “Osununú” (ruido de los ríos), que limita con el Parque Provincial Teyú Cuaré. En la zona existen una gran biodiversidad, endemismos y paisajes de gran valor ecológico. La fauna es muy abundante, con numerosas especies, muchas de ellas consideradas en peligro de extinción o amenazadas. Estas características determinan un lugar de alta prioridad para la conservación.

Uno de los objetivos para la preservación de Osununú es declarar la propiedad como “Reserva Natural Privada” y desarrollar una “Estación Biológica Experimental”, destinada a la investigación y conservación de la flora y fauna autóctonas.

• CRET (Centro de Reproducción de Especies Temaikén)
Para lograr la reproducción y rehabilitación exitosa de especies silvestres, Temaikén posee el Centro de Reproducción de Especies Temaikén (CRET), contando con un Centro de Incubación, equipado con tecnología de última generación y 150 recintos para aves, mamíferos y reptiles, diseñados para llevar adelante proyectos de conservación, reproducción e investigación de aquellas especies silvestres amenazadas o en peligro de extinción, y para la recuperación de animales decomisados por autoridades oficiales.

En el mismo predio se encuentra el Área de Cuarentena, donde los animales que arriban al país, provenientes de otras instituciones del exterior, son sometidos a estrictos controles sanitarios, supervisados por las autoridades oficiales, antes de ser trasladados al Bioparque.

Más información > http://shakespearweb.com/

Fuente: Diseño Shakespear, nuevos proyectos

A continuación, la conferencia de Leslie Gallery Dilworth, Presidente de la Asociación para el Diseño Gráfico Ambiental realizada en Buenos Aires en Abril de 2009.

Más información > http://www.segd.org/

Fuente: Conferencia Leslie Gallery en Buenos Aires

Buenos Aires es una ciudad culturalmente diversa, con una población de aproximadamente doce millones de personas. La empresa Diseño Shakespear ha intervenido en muchas facetas de la cultura visual de la ciudad y en su infraestructura de la información.

Buenos Aires Underground

Buenos Aires Underground

Buenos Aires, the capital of Argentina, is a culturally diverse city with a population of approximately twelve million people. The firm Diseño Shakespear has made a lasting impression on many facets of the city’s visual culture and information infrastructure.

Buenos Aires Underground (Subte) A successful wayfinding system relies on a combination of on-site research and what Ronald refers to as “verified intuition.” Two fundamental criteria govern any system: 1) the signs must be easy to find and their locations predictable, and 2) the signs must be easy to understand. Ronald believes that designers have an obligation “to listen to people, to decipher their codes, to discover their yearnings, and to give them an answer.” Research and evaluation of the existing system stimulated the development of a rational and functional graphic language that clearly communicates, providing travellers with the sense and assurance that they will reach their destinations without a problem. In addition, the design solution would require adaptation to 86 subway stations, each with unique physical conditions.

An adaptable but consistent program governs Subte, and a well-considered hierarchy of information is delivered using a bold, clear, and concise visual syntax. An early task was to design a new map. Prior renditions, relying on actual interpretations of topology, were visually dense and difficult to interpret (Fig. 26). Influenced by the map of the London Underground designed in 1933 by Henry C. Beck, and the New York Subway system map designed by Massimo Vignelli, the Subte map was reduced to a  comprehensible network of linear elements and typographic labels positioned horizontally, vertically, and at 45 degree angles. The simplified, diagrammatic structure provides a legible gestalt for riders en route (Fig. 27). The re-designed map diagrams the cityscape into a translatable model based upon simple geometry. City streets form a secondary lattice beneath the prominant subway lines to orient riders to their position in the city.

Ronald Shakespear, founder and principal of this multi-disciplinary firm describes his design mission as “making the city legible.” A dramatic example of this quest is the Buenos Aires subway system, a mega-wayfinding project designed by Ronald Shakespear and his sons, Lorenzo and Juan. The system inherited the name “Subte” (from subterráneo) the colloquial term for subway used by residents of the city. This memorable term functions as a brand along side the Tube in London, the Metro in Paris and Washington D.C., and the Subway in New York.

The Buenos Aires subway system originated in 1913 with the introduction of a first station and grew rapidly in later years to keep pace with a burgeoning population. Before the design transformation by Diseño Shakespear, the “system” constituted nothing more than a chaotic collection of vernacular elements. (Fig. 24). In separater stages between 1995 and 2007, Diseño Shakespear pursued separate stages of the subway’s branding and wayfinding transformation for the existing five lines. The team relied on their established design methodology: “research, analysis, synthesis, drafts, final project, implementation.” Sketches and graphic notations served to visualize and synthesize ideas and concept.

A grid system accommodates a variety of sign types, from interior station signage to exterior directional signage (Fig. 28). As shown in figure 29, each of the six subway lines (A–F) is assigned a color from a vivid palette of primary and secondary hues. The contrast between colors brands each of the lines, making it easy for riders to pinpoint where they are and how to plan their route. The color scheme corresponds to the Subte map. Station signage consists of 41 signs in a typical station configuration. Station identification bands run parallel to the tracks at a consistent height of 2.2 meters from the platform floor. This creates a 220 meter, “perpetual belt,” through the interiors of  the stations. The station name repeats every 2.5 meters, helping riders to readily identify their stops from within the trains (Fig. 30). Ronald Shakespear attests that signs are “active expressions of identity that go beyond just giving directions and solving basic circulation and communication problems.” They must integrate into the surrounding environment and contribute to a sense of place.

Observations revealed critical psychological concerns; for example, the express need for riders to leave the underground environment as soon as possible. As Ronald puts it, “The exit sign is the most important symbol to people on the subway: How do you escape? It is unnatural to be underground in the city.”

Source >  Typographic Design, Rob Carter (Wyler,Usa)

Fuente: Buenos Aires Underground

El nuevo layout potencia los atributos de alta eficacia propios de la marca a través de la aplicación de formas mucho más angulosas y de un mayor protagonismo del color negro, que permite resaltar la presencia del tic, símbolo de la marca.

Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Más allá de los aspectos formales, la nueva composición incluye un profundo análisis de la estructura marcaria, a través del cual el equipo de marketing y la agencia lograron establecer de un modo óptimo los distintos niveles de lectura. A la vez, se logró generar un bloque compositivo sólido, compacto e inmediatamente reconocible en el punto de venta. Adrián Pierini desde hace más de 8 años es autor de la mayoría de los lanzamientos de Rexona, tanto a nivel regional como global. Esta es la tercera vez consecutiva que el diseñador tiene la oportunidad de acompañar la transformación de una marca que hoy se ha vuelto emblemática dentro de la categoría.

Al respecto, Pierini comentó: “Es una gran satisfacción tanto para mi equipo como para mí el que Unilever nos permita ser nuevamente parte del mundo Rexona. Colaborar desde mi experiencia proyectual al intenso y sostenido crecimiento que ha tenido la marca durante los últimos años me llena de orgullo como profesional, y me permite entender que el trabajo realizado hasta la fecha ha sido el adecuado. Todos estos años compartidos junto al equipo de marketing nos han permitido generar una excelente sinergia operativa. Por lo tanto, en cuanto me contaron la nueva visión tecnológica de la marca, entendí perfectamente a qué se referían. El nuevo packaging no sólo se debía actualizar desde lo estético, sino que era prioritario comunicar claramente su altísima eficacia (Rexona extiende su acción a 48 horas de máxima protección). Para ello debía ser replanteado el actual layout y, si bien la distribución de la información no sufriría cambios drásticos, habría que generar un diseño de mayor impacto visual. Por esto se consideró apropiado contraponer a las formas suaves existentes planos cromáticos de mayor angulación. El resultado final ha sido más que satisfactorio; la pieza obtenida transmite imponencia, comunica liderazgo y por sobre todo es un comunicador creíble de su renovado beneficio funcional.”

En los puntos de venta de todo el mundo ya pueden encontrarse los nuevos diseños. Los elementos relevantes y los secundarios fueron distribuidos siguiendo una modulación adecuada, que les permite darse a conocer de un modo óptimo en los distintos ambientes de comercialización. La codificación cromática se manifiesta a pleno y las variables formales establecidas permiten identificar los diferenciales existentes en cada una de las variedades que integran la línea.

Más información > http://pierinipartners.com/

Fuente: Se relanza la línea Rexona Men con nuevo diseño de Pierini Partners

Stage Fright by Ronald Shakespear. Design, order and Freedom by Jorge Frascara.

“Sign of Design. Memory of a practice” by Ronald Shakespear

Table of Contents

• Sign of Design
- The daily forge. Doing design work for nearly half a century.
- Design is not and island.It’s a sea.
- The underground treasure map.
- Design for the people.
- Horror vaccui.
- Asking the way to Rome.
- Hansel and Gretel’s breadcrumbs.
- A sign is a smile.
- Sing to your village and love globalization.

• Our daily design
- At the beginning there was design.
- “If you can dream it,you can do it”.
-The machine for living in.
- Design’s audience.
- Design: a mental plan.
- Signs are therapeutic.

• The Urban Stage
- “If you can’t ride two horses at the same tieme,you can’t be in the circus”
- About the structure of design.
- The green dream.
- “If you love the rainbow, you must put up with the rain first”.
- Form for function.
- Signs as an identity.

Stage Fright
“It is no tragedy to aim high and miss. The real tragedy is to aim low and hit.” - Michelangelo.

In the hard work of creating Stevens, that wonderful man-servant character in the movie “The Remains of the Day”, Anthony Hopkins suffered the usual tribulations of the case. James Ivory, the director, advised him to talk to an old Windsor butler, already retired. Hopkins and the man met for tea, obviously, and they had a long and charming conversation. When the butler was about to leave, however, Hopkins had a feeling that the man had not actually told him anything specific. As he walked him to the door, Hopkins blurted out: “Tell me, finally, what is a servant?”. The old man turned, thought about it for a second and said: “a servant is someone who, when he walks into a room, makes it look emptier than it was before”. As time goes by, in this difficult task of making public spaces legible and giving answers in terms of communication and building an identity, I have come to the conclusion that this sweet story about Anthony Hopkins somehow sums up the nature and essence of our work. Obsessed with creating a sequence of signs that makes messages predictable, obsessed with the outcome of our work, we have developed a number of the stimuli present in the urban landscape, forgetting that those stimuli should operate silently, without screaming. They should operate as people’s servants. The following thoughts were born a long time ago in Sao Paulo, where a lucid colleague of mine, Hans Donner, told me that he was writing a book that he meant to call “Como foi feito” or “The making of”. “Sign of Design” is sort of a recollection of the work done, or as Rafael Viñoly once told me, a theory of practice.

Every designer coins -not without difficulty- a theory of his practice and, for someone like me, who never went to college, learning comes necessarily from the school of life experience. Reading the space is a somewhat complex skill, and learning to do that takes time and effort. Trial and error. These notes are a compilation of a number of articles published throughout the years in various media, my presentations at Icograda, Nice, Montreal and Sao Paulo conferences, as well as my lectures for Segd in Hollywood, Toronto and Edmonton, a workshop with Massimo Vignelli and Lance Wyman in New York, and conversations with my UBA students. Finally, these notes are about our communication design work in the fields of transportation, urban areas and several other projects. They are also about the battles fought in order to make those projects possible. The fight to make design a part of the city has been the fight of many, and as I quote from them -Jock Kinneir, Harry Beck, Jorge Frascara, Raymond Loewy, Alan Fletcher, Tomás Maldonado, George Nelson, among others- I do so with gratitude and admiration. The roads we travel today have been paved by many. And I owe them.

Also, if I may say so, putting these notes together has an additional meaning: getting rid of some ghosts. It is a clean slate. Along with my conferences, articles and discussions, this book is fed by 48 years of projects. I cannot possibly imagine –and I never could- talking without the testimony of actual projects. Just like a canal steersman, words are stuck to the projects. Hopefully, these pages will be useful to someone. I will be honored if they are. This is a two-lane book: the first lane encompasses my notes, while the second lane offers a simultaneous or alternative story of descriptive memories, epigraphs and comments. In the first place, I want to thank my parents, who guessed this forge was meant for me. I also want to thank my teachers, Alan Fletcher, Romulo Maccio and Juan Carlos Distéfano. They did the best they could. The result is solely attributable to my lack of rigor and my own flaws. “Our daily design” includes comments by Jorge Frascara, who also wrote the introduction to this book. I thank Jorge for always staying close, ever since that icy morning in New York when we first met; I thank him for telling me that my work was worthwhile and encouraging me to put these notes together. Together we drove across half of Canada, giving lectures like strolling actors. From Montreal to Vancouver, from Edmonton to Calgary, I remember those journeys as a celebration.

Thank you, old friend. To Justo Solsona, Rafael Viñoly, Flora Manteola, Javier Sanchez Gómez, Fina Santos, Carlos Sallaberry, Juan Pfeifer, Oscar Zurdo, who enabled us to enter the territory of large-scale graphics. To Matt Woolman, for organizing the first Exhibition of Diseño Shakespear in the United States (Richmond AIA Branch House), and for having the courage to take on this English edition of Sign of Design. I owe a special debt of gratitude to Gladys Brenner, who introduced our graphic work in the United States, particularly at the Virginia Exhibition and the Katzen Arts Center in Washington, D.C. To Juan Hitters, Daniel Nieves Piazza, Joaquin Viramonte, David Consuegra, Marcelo Cima and David Ratto. I also want to thank Daniel Viacava, Carlos Fresco, Graciela Melgarejo, Luis Grossman and Alberto Borrini, who published a number of these notes in La Nación. The images and photos included in this book are documents of the graphic mega-projects developed by us over fifthy long years. Hundreds of talented people, associated with Diseño Shakespear over all this time have substantially contributed to the design, management, production and documentation process, or with the always comforting encouragement of their enthusiasm. It would take many pages to name them all. I want to express my gratitude and recognition: this would not have been possible without them. A number of the works published here were done with my sons Lorenzo and Juan, whom I thank endlessly for their devotion, talent and courage. But I thank them especially for the joy of sharing the journey. I also wish to thank my daughters Barbara, Maria and Sofia, for standing by me throughout my battles, each from her trench. Thank you for the fire. I owe the design of this book to Lorenzo. Not just the layout: all of it. The laborious, sensitive endeavors through which he turned these notes into an exciting, interactive frieze of words and images, a document of memory. Thank you, son, for bringing light to me. Finally, I wish to thank Elena, my partner in life, who raised a family, taught us how to live, brought all the texts together, translated the words of my heroes and never ever stopped smiling.

Ronald Shakespear, Buenos Aires

Design, order and Freedom
Every perception involves a search for meaning. Every search for meaning calls for an ordering process. Every ordering process calls for a design hypothesis. Perception is an ordering task. In the face of chaos, babies cry, children get lost, teenagers become distressed, adults become wasted, the presumptuous ones go wrong, the humble ones ask questions, religious people believe, scientists analyze, and designers act.  Everyone tries to understand. Understanding is, in the first place, interpreting signs and making up connections. This is no easy task. In fact, “finding similarities between two situations in spite of the differences between them” and “making sense of ambiguous or contradictory messages” are high functions of human intelligence (Douglas R. Hofstadter, Gödel, Escher, Bach: An Eternal Golden Braid). In the second place, understanding is trying out hypotheses to see if they work (many a time, what may seem right at first is not actually so).

Understanding is a learning process. Every learning process involves “deutero-learning”, that is to say, developing the ability to learn that particular type of thing: if I learn by heart a series of letters that do not make any sense, not only did I learn those letters, but I also learnt how to learn series of letters that do not make any sense. The more we understand, the more our ability to understand grows. And so does our confidence and independence. Understanding entails making sense out of chaos. For that purpose, we need to understand both the elements in that seeming chaos and the potential relationships among those elements. Eskimos, Touaregs and Jivaros know perfectly the meaning of little details in their respective environments. To the inhabitants of 20th century cities, ice, sand and the jungle are just that: three things. In the Inuit language, however, there are a number of different words to describe the various conditions of ice and snow, just like the color beige has a number of well- defined hues in the language of Touaregs, and the endless variety of Amazon plants and their respective properties hold no secrets to Jivaros, which turns the word “jungle” into an unacceptable simplification.

Likewise, the term “city” is an unacceptable simplification to us. A city is made up of hundreds of overlapping, juxtaposed realities. Increasingly complex realities are found all the time. While a Jivaro and a peasant learn all they need to know about their environment before the age of 20, an inhabitant of our civilization can go on learning all his life, even if he never leaves his hometown. His context is not physical but conceptual. Life in today’s cities is basically life in a sea of communication. This sea of communication is full of noise from confusing, irrelevant, incomplete or scrambled messages, such as the ones described by Roland Barthes in “Mythologies”, where he denounces the media as being to blame for the creation of unnecessary appetites, desires that it is impossible to satisfy, fictitious realities (I am aware of the paradox), and distorting rather than forming our perception of reality. The serious nature of this problem becomes even more apparent as we remember McLuhan’s words: “The medium, or the process, of our time -electric technology- is reshaping and restructuring the patterns of social interdependence and every aspect of our private lives” (“The Medium is the Massage”). Our relationship with the complex realities of contemporary life is filled with interactions with people and events, and is largely ruled by time.

Time is wealth, and timing is a necessary condition for the development of human communication, if we want to communicate intensely and efficiently. Meetings, lessons, conferences, entertainment, visits, journeys, sports, in summary, all of our social endeavors are ruled by time. People get together, scatter, come and go. In this environment, coordination, order and agreement are of the essence. Accurate information, timely delivery and speedy actions call for clear communications, and are based on a notion of respect for other people’s time. If time is gold, efficiency is currency. The notion of value of the time SIGN OF DESIGN does justice to those endeavors, by bringing the usually invisible communication design to center stage. The role of graphic designers in this era of informational revolution is charmingly described in Richard Saul Wurman’s story: “What-if, Could-Be; an historical fable of the future”. “… We do not know how to articulate what we need. We do not know how to describe the function we need from a person or product in order to solve a problem. We do not know, in other words, how to articulate constructive requirements in order to obtain an improved and more efficient environment… The problem can be defined in a question: what do we need in order to ask the right questions? The answer is obvious: information (information in its highest form is both art and entertainment). What this story tells is that, at their first meeting, the Committee made the following resolution: public information should be public… this means that the city of Could-Be was a society because of its citizens and accordingly it was accountable to those citizens. This meant that all information about the past, the present and the future of Could-Be, was citizen property, and the government and inhabitants of Could-Be had a responsibility towards their city and towards every individual to make information accessible, and easily so. This means not only that public information must be physically accessible, but it must also be understandable”. Amidst the avalanche of information constantly flowing around us, which is the blood and oxygen of civilized life, designers bring order, education and freedom and turn chaos into information. SIGN OF DESIGN bears witness to those endeavors.

Jorge Frascara, Professor Emeritus, Edmonton, Canadá.
Icograda Past President

More information > http://shakespearweb.com/

Fuente: “Sign of Design. Memory of a practice” by Ronald Shakespear

R.S.: Las marcas que funcionan bien hoy son aquellas que han sido cuidadas y actualizadas con esmero. Tampoco se puede pedirl que vivan para siempre. Los tiempos cambian y el mercado también. Algunos clientes nos piden un bote. En realidad necesitan cruzar el río. En general piden magia, valor innovativo, amigabilidad, ternura y muchas veces la estrategia obliga a los re-styling y aggiornamientos para garantizar la supervivencia. Las marcas no son. Están siendo. Diseño Shakespear tiene 50 años de experiencia en el diseño de información; en la generación, cuidado, lifting, accesibilidad y legibilidad de marcas y señales, agregando y creando valor a empresas de todos los sectores.

Hemos diseñado, renovado y asistido la Identidad Corporativa y Visual de numerosos casos exitosos que han demostrado largamente su eficiencia, como Galerías Pacífico, Dot Baires Shopping, Recoleta Mall, Red Link, Duty Free Shop, Subte, Banco Supervielle, Banco Galicia, Centros Deportivos, Boca Juniors, Banco Patagonia, Banco Hipotecario, Le Parc Figueroa Alcorta, Harrods, Temaikén, Hipódromo Maroñas, Oca, Pilar del Este, TBA Trenes de Buenos Aires, Banco de Córdoba, Alto Palermo, Autopistas del Sol, Chapelco, Todomoda, Tortugas Mall,Patio Olmos, Córdoba Shopping, Paseo Champagnat, etc.

¿Ustedes han trabajado en casos de diseño para empresas del sector? ¿Ya sean comercializadores, desarrollistas o emprendimientos?

R.S.: Sí, por ejemplo Recoleta Mall rescata la identidad y prestigio del barrio Recoleta. El naming es fundamental. No hay nada mejor que un buen nombre. Por otro lado el rescate de la voz popular marca el nivel afectivo de las marcas. Así hemos recuperado Subte, Boca, Alto Palermo etc. Durante las últimas décadas, la valoración dada a los nombres fonéticos de las compañías y productos, expresados con recursos tipográficos claros y memorables, produjo un clarísimo énfasis de las marcas de fuerte presencia verbal dentro del universo polucionado de las comunicaciones corporativas. Estamos condicionados culturalmente a las imágenes. Y los intangibles hacen siempre la diferencia. Le preguntaron a Marilyn que se ponía para dormir y ella contestó sin dudar “Chanel No.5″. Ese día ella hizo más por Chanel que millones de publicidad en la marca. Nosotros no seguimos las modas. Seguimos a la gente y sus necesidades reales. El día a día.

¿Cuáles son la últimas tendencias en diseño de marca?

R.S.: Una buena marca adiciona valor pero lo fundamental es su capacidad de persuadir. Todavía hay empresas que “gritan” y provocan al consumidor ignorando que el ruido semiótico que producen en la audiencia, provoca rechazo. Persuadir no es otra cosa que modificar las preferencias del público por otras con argumentos racionales e inspiradores. Es una estrategia para inducir a la gente. Nadie quiere semiología barata y sabemos bien que lo “nuevo” nunca es tan nuevo y “mejor” no es mucho mejor. El valor innovativo de las empresas radica en la construcción de marcas que entablen lazos afectivos con su público. Como ha sido siempre, las marcas construyen leyendas y muchas se van al cielo. Hoy es el futuro que nos preocupaba tanto ayer. Los negocios cambian siempre. Las empresas exitosas son las que aprendieron a reconocer los cambios antes que las demás y por eso están en el podio de los ganadores.

¿Nos puede definir un buen LOGO que hayan identificado en el sector?

R.S.: Los mejores logos son los que enamoran a sus audiencias. Siempre recordamos con cariño el proyecto de Harrods en el 75, el Duty Free Shop y la sonrisa de Alto Palermo. También, como no, el símbolo de Boca Juniors.

¿Qué recomendación daría a un emprendedor que está formando una empresa relacionada a la inversión inmobiliaria con respecto a su imagen?

R.S.: Dice Bernard Shaw que el gran drama de la comunicación es pensar que ha tenido éxito. Comunicar la innovación presupone ante todo entender que innovar es reemplazar situaciones existentes por situaciones preferibles. La Marca no es un Logo. Es una conducta. Y una promesa. Cuando cumple sus compromisos, comerciales, institucionales, culturales, está construyendo Marca. El Logo es -en todo caso- la emblemática de esa promesa. Las Marcas no son. Están siendo.Y efectivamente, algunas Marcas se van al cielo. Una Marca virtuosa es aquella que cumple las promesas. Una Marca eficiente es aquella que emite la identidad correcta. Una buena Marca es aquella que recauda afectos. El dilema de las tres íes: Identidad, Identificación, Imagen. La primera está en el vientre del emisor. La segunda es la estrategia para transferir esa identidad. La tercera es la fantasía que la audiencia elabora de la primera.

Las marcas y su expresión visual no son eternas, cumplen ciclos cada vez más breves y se les requiere no sólo un comportamiento identificatorio pregnante, sino, además, capacidad de recaudar afecto, seducción y, sobre todo, persuasión. Esto es, la capacidad de modificar las conductas humanas. Allí reside el valor innovativo de las Marcas. Finalmente, como dice Jorge Frascara, “La misión del Diseño no es comunicar. Es producir respuestas.”

Fuente: Entrevista a Ronald Shakespear

La cerveza preferida por los argentinos lanza al mercado una novedosa botella de aluminio de última tecnología, la cual cambia su gráfica al ser expuesta a la luz ultravioleta. Esta singular y sorprendente característica ha sido magnificada gracias a un diseño modular que resulta tan atractivo como original, independientemente de las condiciones en que se lo observe.

Pierini creó la nueva botella de aluminio de Quilmes Cristal

Pierini creó la nueva botella de aluminio de Quilmes Cristal

Pierini creó la nueva botella de aluminio de Quilmes Cristal

Adrián Pierini, director general creativo de Pierini Partners y diseñador del packaging que hoy sorprende tanto a consumidores como coleccionistas, dijo con respecto al mismo: “Existen momentos en la vida de todo profesional en donde se pone a prueba la capacidad de crear. Este proyecto generó precisamente esa situación ideal en donde la imaginación y el recurso se pudieron unir para dar vida a una pieza interactiva y altamente sensorial. El desafío consistió en trascender lo meramente gráfico para convertirla en una generadora de sorpresa, de estimulo visual y táctil, de magia y fantasía. Sin lugar a dudas, esta revolucionaria botella de aluminio es mucho más que un lanzamiento; representa un símbolo de liderazgo e innovación que sólo una marca como Quilmes es capaz de portar”.

Su partido gráfico consistió en cubrir, mediante una delicada textura de pequeños mosaicos plateados, el cuerpo de la botella. De esta manera se logró, por un lado, obtener la calidez necesaria para contrarrestar la frialdad del material y, por el otro, potenciar su capacidad lumínica llevando el brillo del aluminio al extremo. Estos pequeños módulos alteran su paleta cromática en la zona central del pack originando, mediante combinatorias de celestes y azules, la reconocida letra “Q”, síntesis del logotipo de la popular cerveza argentina. Si bien la utilización de estos recursos visuales ha logrado por sí misma transformar un objeto estático y funcional en una hermosa pieza de deseo, la verdadera magnitud de la propuesta cobra vida en la oscuridad.

En efecto, aunque parezca paradójico, el principal atractivo de esta botella no se haya a simple vista. Es necesario que la luz ultravioleta se proyecte sobre ella para que, de ese modo, descubramos los “espíritus de la diversión y el encuentro” ocultos en su superficie. Pierini argumentó en relación al proceso creativo ejecutado: “La complejidad del arte radicó en lograr un diseño bi-funcional, es decir, se debía obtener una excelente sinergia entre las formas que el consumidor observaría con luz día y las que aparecerían luego con luz ultravioleta. La tinta utilizada para la reacción lumínica imponía ciertas exigencias de uso; uno de los condicionamientos más importantes era que ninguna otra tinta la debía tocar. Esta limitante fue superada exitosamente gracias a que el motivo “calidoscopio” escogido generó calles internas que se convirtieron en un excelente circuito sobre el cual distribuir las líneas originadoras de siluetas.”

Imaginación, tecnología e innovación. Estos tres pilares fundamentales podrían sintetizar la totalidad de ingredientes que se necesitan para arribar a un resultado tan magnífico como el obtenido. Cervecería y Maltería Quilmes demostró una vez más, con este lanzamiento, que su deseo de superación está más alto que nunca y que, gracias a ello, los consumidores disfrutan de una marca cervecera que además de poseer alta calidad es, hoy, sinónimo de tendencia.

Más información > http://pierinipartners.com/

Fuente: Pierini creó la nueva botella de aluminio de Quilmes Cristal

En sus 10 años Notable Publicidad presentó 7 Conferencias Magistrales donde participó Lorenzo Shakespear de Diseño Shakespear.

Más información > http://shakespearweb.com/

Fuente: ¿Qué hacen las marcas en el mundo hoy?

Se encuentra abierta la convocatoria de conferencistas para el Encuentro Latinoamericano de Diseño. La fecha límite para envío de propuestas de actividades será el viernes 30 de Marzo de 2012 .

Encuentro Latinoamericano de Diseño, convocatoria

Envío de propuesta de actividad
Durante el Encuentro Latinoamericano de Diseño se realizan más de 350 actividades entre conferencias y talleres. Los interesados en dictar talleres o conferencias deben completar el formulario de inscripción al Encuentro y luego acceder al administrador de conferencistas, donde podrán completar los datos de su propuesta y agregar co-conferencistas. Sólo los profesionales pueden enviar propuestas de actividades.
Para registrarse como conferencista haga click aquí.

Se pueden proponer conferencias o talleres y la aceptación de dichas propuestas estará a cargo de la Coordinación del Encuentro. Dicha aceptación depende de cuatro factores principales: temática acorde al perfil del Encuentro, antecedentes profesionales del conferencista, disponibilidad de espacio y requerimientos técnicos. La Coordinación del Encuentro se comunica vía e-mail con el autor de cada propuesta de actividad para informarle si la misma ha sido aceptada. En caso afirmativo, el nombre, logo (en caso de enviarlo) del conferencista y datos de la actividad, serán incluidos en las publicaciones y sitio web del VII Encuentro. Dicha confirmación se emite luego de la fecha de cierre de la convocatoria (abril de 2012 aproximadamente).

La participación no es remunerada. La coordinación del Encuentro no se hace cargo de ningún gasto de los conferencistas. El Encuentro Latinoamericano de Diseño cuenta con más de 400 conferencistas de toda América Latina. Al ser un evento totalmente gratuito, es imposible para la Universidad de Palermo solventar los gastos de traslados y alojamiento de todos los asistentes. Muchos conferencistas buscan apoyo económico en las instituciones en las que trabajan.

Temáticas posibles para las actividades
Se reciben propuestas relacionadas con el diseño en cualquiera de sus facetas: gráfico, indumentaria, industrial, packaging, editorial, textil, audiovisual, etc. También sobre disciplinas relacionadas con el diseño o los diseñadores: marketing, negocios, gestión, tendencias, etc.

Modalidad de las actividades
Los talleres deben tener contenido teórico y práctico, y su desarrollo debe estar planteado para que el asistente tenga una participación activa. Su duración es de 2hs 30′. Las conferencias tienen una duración de 1h 15′. El contenido de las mismas es teórico, aunque pueden incluir ejercicios prácticos (no obligatorio). La duración de las actividades debe respetarse. Cada conferencista cuenta con una sala con capacidad para entre 30 y 100 personas. La misma está equipada con PC, cañón y pantalla grande (no se provee de micrófono). No hay salas equipadas con computadoras para los asistentes.

Más información > www.palermo.edu/encuentro

Fuente: Encuentro Latinoamericano de Diseño, convocatoria

Pierini Partners presenta al nuevo packaging diseñado para Cervecería Boliviana Nacional.

Pierini Partners diseñó el packaging de cerveza Cruceña, nuevo ícono de Santa Cruz

Pierini Partners diseñó el packaging de cerveza Cruceña, nuevo ícono de Santa Cruz

Pierini Partners diseñó el packaging de cerveza Cruceña, nuevo ícono de Santa Cruz

Pierini Partners diseñó el packaging de cerveza Cruceña, nuevo ícono de Santa Cruz

Pierini Partners diseñó el packaging de cerveza Cruceña, nuevo ícono de Santa Cruz

Con Cruceña nace un ícono de la ciudad, un referente a la hora de resumir todas las cosas positivas que ese lugar posee: su gente, su paisaje, su vida. Es por ello que la propuesta gráfica consistió en potenciar aquel elemento esencial que las agrupa: su bandera. El plano de color verde es atravesado de derecha a izquierda por una franja blanca, recreando la enseña de la ciudad, y sobre ese soporte se distribuyen los diferentes elementos simbólicos y comunicacionales.

Enarbolando la composición, gana presencia un escudo simple pero lleno de valor local, ya que busca ser una síntesis de aquel otorgado por el rey de España, Felipe IV, a la ciudad en 1636. Tras él se dispuso la marca, creada a partir de formas simples con bastones duros y ligeras terminaciones curvadas, confiriéndole personalidad y resumiendo, a través de sus formas, tanto los valores racionales como emocionales a transmitir. Quizá uno de los recursos gráficos más diferenciadores del layout sea la aplicación de dos espigas geometrizadas en color oro, las cuales fueron dispuestas perimetralmente enmarcando los diversos elementos del arte.

Pierini comentó: “No queríamos caer en una etiqueta convencional que recree literalmente los estereotipos existentes. Nos pareció correcto rescatar los símbolos locales y por esa razón lo hicimos. Pero Cruceña debe comunicar juventud y pujanza, por lo que buscamos romper la tranquilidad de la estructura con un elemento tan pertinente como diferenciador: una síntesis atípica de la tradicional espiga de cebada. El estilo escogido es marcadamente geométrico y modular, y fue el resultado de una búsqueda intensa entre distintas síntesis, en las que se priorizó la originalidad de la representación por sobre la descripción lineal”. Cruceña ha sido acogida por los lugareños con gran éxito, los códigos locales fueron interpretados magníficamente por el target y nos atreveríamos a decir que muy pronto esta joven cerveza se transformará en un atractivo imperdible de esta magnífica ciudad.

Más información > www.pierinipartners.com

Fuente: Pierini Partners diseñó el packaging de cerveza Cruceña, nuevo ícono de Santa Cruz

Los trabajos deben ser enviados por mail en formato JPG o PDF.

Información:
• Fecha límite de inscripción > 20 de noviembre del 2011 inclusive
• Fecha límite de envío de las propuestas > 5 de Diciembre del 2011 inclusive
• E-mail >  inscripcionsatori@gmail.com
• La preselección de 6 trabajos y aviso a los pre-seleccionados: 7/12/2011
Los pre-seleccionados serán informados telefónicamente; además se darán a conocer a través de la página web de la Fundación El Libro. En esa fecha se hará entrega del tejido para confección del prototipo correspondiente.
• Entrega de los seis prototipos pre-seleccionados: 21/12/2011
• Selección y aviso al ganador: 28/12/2011. El o los ganadores serán notificados telefónicamente; además se darán a conocer a través de la página web de la Fundación El Libro.

Más información > http://www.el-libro.org.ar/fel/BasesConcursoUniformefinal.pdf

Fuente: Concurso “Nuevo Uniforme para la Feria del Libro”

Entrevista a Ronald Shakespeare

–Cincuenta años es mucho. ¿Qué es lo más interesante que ha aprendido a lo largo de este tiempo en el ámbito del diseño?
–Para quien como yo, no ha transitado el claustro en su juventud y considerando todo lo que he recibido de mi país, seguramente lo más importante han sido los años de mi cátedra en la FADU. Me enseñaron a aprender-a-aprender. He recorrido cuarenta escuelas del mundo y jamás he encontrado una constelación de respuestas como en el Pabellón 3 de Núñez. La UBA fue mágica y recuerdo aquellos años con nostálgica alegría. Mis viejos alumnos me lo recuerdan siempre. Naturalmente, yo fui el que aprendió más. No terminé mi escuela secundaria pero tuve en compensación cinco maestros ejemplares: Rómulo Macció, Juan Carlos Distéfano, Armin Hofmann, Alan Fletcher y Jorge Frascara. Ellos hicieron lo que pudieron. Todo lo demás se debe a mis carencias y mi falta de rigor. Frascara me dijo hace treinta años que mi oficio valía la pena, estuvo siempre cerca y cruzamos juntos medio Canadá dando conferencias, como los cómicos de la legua.

–Dice que “el mejor diseñador es aquel que tiene una oreja grande”… ¿Puede ampliarlo?
–Hago diseño desde hace medio siglo. No tengo una teoría del diseño. He acuñado a duras penas una teoría de la práctica. Pienso que la “oreja grande” es imprescindible para escuchar a la gente, sus desvelos, sus sueños. Finalmente el diseño es para ellos. O el diseño sirve para que la gente viva mejor o no sirve para nada.

–¿Qué otros ingredientes, sobre todo en la formación de un profesional, agregaría a la receta?
–La lectura, sin duda. Yo entré a una biblioteca a los 13 años y nunca me fui. Allí descubrí a Roberto Arlt, Borges, Rodolfo Walsh, Wilde, Leonardo, Thomas Mann, Albert Camus y Macedonio. Más tarde llegaron Daniel Defoe, Dylan Thomas y por supuesto el gran Alan Fletcher (descansa en paz, viejo amigo), quien me llevó de la mano a descubrir a Jock Kinneir, aquel profeta de “el hombre escribe en minúsculas y grita en mayúsculas”. La mayoría de los jóvenes de hoy leen poco y nada y la chatarra visual que observamos en las calles se debe fundamentalmente a que muchos diseñadores privilegian la computadora sobre el libro. Algunos piensan que la máquina diseña sola, olvidando que la luz en Rembrandt, la palabra en García Márquez y el montaje en Orson Welles son infinitamente más importantes que la tecnología digital. Tuvimos una charla –digamos “virtual”– con Juli Capella, Emilio Ambasz y Luis Grossman acerca de si el diseño sirve para salvar al mundo. Yo aún no sé de qué debe salvarlo pero, pensando que el diccionario de Oxford dice: “Diseño: Plan mental” –nada que ver con dibujar–, puede ser posible que así sea. Diseña un cocinero cuando prepara su menú, diseña la maestra rural cuando organiza su día de clase, diseña un músico cuando compone una partitura. Nada que ver con dibujar. Di-segno: “la señal de Dios”.

–¿Su último libro Señal de diseño, memoria de la práctica, reeditado por Paidós, apunta a su vocación docente?
–Esta es la segunda edición de Señal. Mi amigo Hugo Kogan dijo en la presentación en Rosario “éste no es un libro de diseño. Es un libro de cuentos”. Creo que es el mejor elogio que he escuchado. Yo soy un storyteller, un contador de cuentos. Y uso esos cuentos como metáforas inductivas en el convencimiento de que ayudan a anclar las ideas en la memoria de la audiencia. He contado estas historias con la esperanza que sean de utilidad para alguien. Sería para mí una gran felicidad. No olvidar que no soy una estrella del diseño. Soy apenas un sastre. Lo hice de esta manera. Mi manera. Por otro lado el libro expone las imágenes de nuestra obra de cincuenta años. No se me ocurre hablar de diseño sin el correlato –ineludible– del trabajo construido. Palabra y obra.

–Con tantos trabajos de señalética en su haber, ¿cuál o cuáles son las claves en esto de saber señalar el camino?
–“Si no sabes a dónde vas, todos los caminos te llevarán allí”, ha dicho Lewis Carrol. Mis hijos y yo hemos hecho de la señalización una forma de mirar el oficio. Los megas realizados estos años han visitado las páginas de libros y revistas de diseño de todo el mundo como Domus, Eye, Abitare, Sign Graphics, Novum, Experimenta, Archigraphia, y han sido expuestos en museos de todo el mundo, incluyendo el Centro Pompidou o la Triennale de Milán. Se cree habitualmente que las señales son instrumentos para conducir los flujos peatonales y vehiculares –lo que es cierto–, pero fundamentalmente son los constructores de la identidad de las ciudades. En el 2008 me dieron el Segd Fellow Award de la Sociedad de Diseño Ambiental en Estados Unidos, que por primera vez recibió a un latinoamericano. El premio fue otorgado en años anteriores a Lance Wyman, Massimo Vigneli, Robert Venturi, Deborah Sussman, Ivan Chermayeff, entre otros. A veces pienso que no lo estamos haciendo mal. Por otro lado estos premios se los dan a los “viejitos” antes de partir. En el duro trabajo de construir a Stevens, ese maravilloso personaje del sirviente, para el film Lo que queda del día, Anthony Hopkins sufrió las tribulaciones habituales del caso. James Ivory, el director, le recomendó tener una charla con un viejo mayordomo de Windsor, ya retirado. Hopkins y el hombre se encontraron a tomar el té, por supuesto, y entablaron una larga y encantadora charla. Sin embargo, cuando el mayordomo ya se retiraba, Hopkins tuvo la sensación de que aquél no le había aclarado nada en concreto. Ya en la puerta, el actor insistió: “Dígame, finalmente, ¿qué es un sirviente?” El viejo mayordomo dudó un instante y luego dijo: “Un sirviente es alguien que, cuando entra a una habitación vacía, hace que ésta parezca aún más vacía que antes”. Siempre he pensado que este tierno cuento de Hopkins expresa claramente la naturaleza de mi oficio terrestre.

–¿Y en la vida?
–El mayor privilegio que he tenido en la vida es trabajar con mis hijos Lorenzo –DG Uba– y Juan –DI Uba–. Ellos son hoy el motor de la nave y su madre –Elena– una acuarelista notable, les ha legado de una sensibilidad exquisita. El barco está en buenas manos. Yo he pasado a ser el grumete.

–¿El diseño de ese tipo tiene que tener ritmo?
–Tiene que tener secuencialidad y previsibilidad. La secuencialidad en los sistemas de señalización establece el ritmo en el cual el usuario se reencuentra con los estímulos visuales. La previsibilidad es un acto cultural que prevé un seguro a la expectativa de la gente. Ejemplo: la señal de nomenclatura se encuentra localizada –a veces– en cada esquina. Las señales son una promesa que ha de ser cumplida.

–¿Cuáles son sus herramientas más importantes? Una fuente, el color…–La intuición antes que nada. Luego la innovación, la estrategia del paisaje, la investigación y el factor humano. La letra, el croma y el emplazamiento vienen después. Para verificar aquella intuición.

–¿Cómo explicaría a alguien su profesión?
–Anna Magnani ha dicho a su maquilladora: “No toques una sola de mis arrugas. Me han costado la vida”. La mayoría cree que lo mío es la estética industrial. Además si uno aclara, siempre oscurece. El diseño está allí y si funciona será seguramente bello y todos lo usarán. Los signos post-lingüísticos requieren por lo general expresión verbal contigua. Sin embargo, hay que considerar los factores culturales. Cuando diseñamos la cigüeña del Materno Infantil, un director me dijo pomposamente: “Shakespear, usted debe saber que a los niños no los trae la cigüeña”. La gente sí lo cree. Y yo también. Según Chesterton, “no es que no puedan ver la solución. No pueden ver el problema”. Por otro lado hay personas que no creen en las señales. Esas encantadoras ancianitas que llegan a la Terminal Cinco de Heathrow, en Londres, tienen un formidable dispositivo de señalización pública a su disposición. Sin embargo, prefieren un buen “bobby” que las lleve a migraciones, al toilette, sostenga sus maletas y el caniche, las acompañe al taxi y recomiende al conductor manejar con cuidado.

–¿Cómo se mide el éxito de su trabajo?
–Por la respuesta de la gente. Dorita, mi mamá que falleció a los 99, me lo decía siempre. También creía que cuando se encendía la luna, yo prendía mi pipa y entonces –entre el humo– aparecían las hadas –desnudas por cierto– y allí surgía la “creatividad”. Confieso que jamás he visto un hada y menos desnuda. Además yo no creo en eso de la creatividad. Un eufemismo dialéctico y antidemocrático que establece que algunas personas están dotadas de poderes mágicos, discriminando a los demás mortales. Mucha gente acuña estas fantasías para explicar lo que les resulta inexplicable. El diseño es una actividad científica que permite resolver problemas humanos ante una necesidad cierta. Puro trabajo.

–¿Qué se siente estar en la calle, Subte, Bombonera?
–A veces alegría. Otras veces, no. El mantenimiento del equipamiento urbano no es una cultura adquirida. En el re-branding del Subte implementado recientemente, hemos rescatado en primera instancia la voz popular Subte. El Subte está anclado en la memoria colectiva de la ciudad y su denominación surge de la gente. En este re-branding (que sucede al realizado por nosotros en 1995) se ha enfatizado la paleta de color que otorga identidad a las diferentes líneas del servicio. Los focus groups realizados por Metrovías expresan claramente la vocación del usuario, en ese sentido. Muchas personas definen el uso cotidiano del servicio así: “Me tomo la verde”, “Me tomo la roja”, “Me tomo la azul”. La recaudación afectiva del Subte es enorme y su relación con la gente se expresa en términos de pertenencia. Las bocas de acceso han sido entonces emblematizadas por un verdadero arco iris urbano en donde la marca es siempre igual con los colores respectivos de cada línea. La amada Helvética del Plan Visual de Buenos Aires fue reemplazada por la eficiente y austera Frutiger. Las señales deben ser atemporales y no sólo deben estar allí donde son requeridas, sino que debe parecer que siempre estuvieron allí. En los andenes del Subte se reemplazó la “epidemia de cartelitos” por una cenefa maestra que recorre los 220 metros de la estación. Así se obtuvo una suerte de cinturón perpetuo que ata la red, como las migas de pan de Hansel y Gretel.

–¿Cuáles cree que son los grandes temas o desafíos para la disciplina hoy?
–Cambiar el paradigma. Pocos planes de estudio establecen que el principal actor es el público. Todavía hay una raza de diseñadores -hoy en proceso de extinción- que piensan al diseño como una forma de “autoexpresión”.

Fuente > http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/m2/10-2138-2011-09-11.html

Fuente: Entrevista a Ronald Shakespeare

Se encuentra abierta la convocatoria para participar del concurso de diseño de Afiches “¡Latinoamérica Soy yo!” y del Premio a la Ilustración Latinoamericana, organizadas ambas por la UP.

Concurso: Diseño de Afiches “¡Latinoamérica Soy yo!”

Concurso: Diseño de Afiches “¡Latinoamérica Soy yo!”

Cada uno de estos concursos otorgará U$S 2000 en premios a sus respectivos ganadores.

Las bases y condiciones de los concursos están disponibles en la página de la universidad.

Las inscripciónes son libres y gratuitas y se realizan a través del formulario on line disponibles en la página web: www.palermo.edu/encuentro

Más información > www.palermo.edu

Fuente: Concurso: Diseño de Afiches “¡Latinoamérica Soy yo!”

El estudio de diseño argentino Pierini Partners engalana la nueva Paceña Black con un packaging clásico y sofisticado.

Nueva Paceña Black

Nueva Paceña Black

Nueva Paceña Black

Nueva Paceña Black

El nuevo diseño realizado por el Adrián Pierini para uno de los más recientes lanzamientos de Cervecería Boliviana Nacional, reúne equilibrio compositivo, sofisticación y un manejo esencial de los recursos estéticos, confiriéndole a su packaging un aire clásico y sumamente distinguido. En efecto, Paceña Black posee una vestimenta absolutamente Premium, característica que le fue conferida ante la necesidad de transmitir la altísima calidad del producto. Es que la nueva Paceña Black no será una cerveza más, sino que nació para trascender; su justa combinación de maltas tostadas y lúpulos refinados le confieren un sabor único, atrapante. Su target está compuesto por aquellos consumidores que valoran el cuidado en los detalles y el despertar de nuevas sensaciones. No buscan la estridencia y el caos sino que disfrutan de momentos intensos y especiales.

Frente a este target y a un producto tan especial, la decisión proyectual pasó por ir a lo básico, es decir, recurrir a un fondo negro pleno y puro que transmita de un modo inmediato la esencia del producto, y complementarlo con elementos gráficos secundarios como ilustraciones vectoriales de espigas, filetes y el tradicional escudo, en oro y blanco. El estilo tipográfico escogido de corte romano refuerza el espíritu clásico de la pieza, mientras que la estructura general, de eje central, le aporta una serena calma visual acorde con la profunda experiencia de consumo.

Pierini, refiriéndose a este proyecto, comentó: “Muchos clientes nos piden que desarrollemos para sus productos diseños absolutamente innovadores, disruptivos, aún cuando lo que el consumidor busque en ellos sea un diálogo franco, directo y amable. Paceña Black nos ha dado la oportunidad de crear sin gritar, de disfrutar generando un layout cuidado y detallista cuyas principales problemáticas giraron en torno a la elección de la miscelánea adecuada, de las proporciones correctas, de los cuerpos tipográficos, de la intensidad ideal del dorado; es decir, de las pequeñas grandes cosas que solo un público especial, conocedor de lo bueno, será capaz de comprender y apreciar”.

Más información > http://pierinipartners.com/

Fuente: Nueva Paceña Black

El estudio de diseño argentino Pierini Partners fue el responsable de la nueva imagen de la cerveza mendocina Andes.

Pierini Partners renueva el packaging de la tradicional cerveza Andes

Pierini Partners renueva el packaging de la tradicional cerveza Andes

Pierini Partners renueva el packaging de la tradicional cerveza Andes

Pierini Partners renueva el packaging de la tradicional cerveza Andes

Pierini Partners renueva el packaging de la tradicional cerveza Andes

Respetando aquellos recursos visuales que han identificado a la marca desde su origen, como son su paleta cromática basada en el rojo y el negro, su iconografía y su logotipo sólido y formal, el nuevo layout propone una estilización de lo existente con el objetivo de alinearse a los nuevos códigos estéticos y vivenciales que el target local experimenta. Al respecto Adrián Pierini, director general creativo de la agencia, comentó: “Los elementos gráficos que componían la etiqueta original debían ser aggiornados para estar a la altura de los principios emocionales que Andes ha venido sosteniendo a lo largo de los años. Una marca innovadora debe transmitir evolución constante y es por esa razón que el packaging, desde su iconografía hasta su estructura, debía ser replanteado. Basta con investigar el proceso de transformación histórico de su principal ícono, la corona, para comprobarlo. Su representación original era lúdica y cálida. Sin embargo, las posteriores intervenciones a nivel gráfico la fueron conduciendo hacia un lenguaje más frío y racional que atentaba contra la propuesta de sana diversión, encuentro y amistad característica de la marca. El trabajo realizado se trató precisamente de revertir esto, es decir, de devolverle a Andes su espíritu original reforzando su personalidad, su calidad Premium y la identificación con su público”.

Más información > www.pierinipartners.com

Fuente: Pierini Partners renueva el packaging de la tradicional cerveza Andes

Shakespear fue profesor titular de la cátedra de diseño FADU/UBA y presidente de ADG, Asociación de Diseñadores Gráficos de Buenos Aires. Dirige Diseño Shakespear, fue jurado de diversas instancias, entre otras, Art Directors Club de New York, Segd Design Award, Washington DC, del premio Citroën, de los Wolda Awards en Milán y es jurado permanente del concurso innovar. Recibió el Fellow Award de la Society for Environmental Design en Estados Unidos (previamente fueron distinguidos Massimo Vignelli, Lance Wyman y Robert Venturi, entre otros. Ha publicado recientemente Señal de Diseño, Memoria de la Práctica (Paidós). Su obra ha sido publicada en varias de las revistas y salas más prestigiosas del diseño, incluido el Centro Pompidou en París y la Triennale Icsid de Milán. Ha sido autor de la señalización del Subte de Buenos Aires y co-autor de la señalización urbana de Buenos Aires entre muchos otros proyectos.

Haciendo la ciudad legible
Ronald Shakespear / Fellow / Society of Enviromental Graphic Design
“No toques una sola de mis arrugas. Me costaron una vida”.  Ana Magnani a su maquilladora.

Este informe es en realidad una hoja de vida y resume de alguna manera las memorias de un camino ya largo.Se podrán observar algunas reiteraciones -obligadas por las circunstancias experimentadas durante cincuenta años- y se han incluído imágenes y documentos visuales para testimoniar los proyectos mencionados. Medio siglo dedicado a hacer la ciudad legible me hacen citar algunos próceres, sencillamente porque lo expresan mejor que yo.Estoy en deuda con ellos. El origen del informe se debe sin duda a la generosa invitación que me hiciera hace un tiempo atrás Andrés Borthagaray en el contexto del proyecto “Ciudad Legible” del Instituto para la Ciudad en Movimiento, organización sin fines de lucro creada en Francia en el año 2000. Esa invitación y la lectura de su libro Ganar la Calle,encendieron la luz y las charlas posteriores con Andrés iluminaron el camino.Este paper está seguramente plagado de errores y omisiones.He tratado de citar respetuosamente a los respectivos autores y pido indulgencia por mi falta de rigor. El término “señalización” siempre me ha parecido insuficiente.En los paises sajones se los denomina “wayfinding” y más recientemente Per Mollerup los ha llamado “wayshowing”.Una edición china ha inaugurado con cierto humor “Follow me”. Prefiero largamente, de todos modos -diseño de la información- que se ajusta mejor a nuestro quehacer.

Fuente > http://www.ciudadenmovimiento.org/index.php?option=com_content&view=article&id=99:la-ciudad-legible-por-ronald-shakespear&catid=13:biblioteca&Itemid=18

Fuente: La Ciudad Legible

Redefinición estética y estratégica del sector pinturero ante el nuevo perfil de sus consumidores. El diseñador Adrián Pierini, quien crea desde hace más de 9 años la mayoría de los packagings de Sherwin Williams Argentina, empresa líder del segmento, analiza la categoría y expone a través de este artículo su significativa evolución.

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Dándole una mano a la pintura

Introducción. Las cosas ya no son tan sencillas…
En los últimos 10 años, la industria de la pintura ha experimentado una fuerte transformación tanto en los tipos de productos que ofrece como en sus estrategias de venta. Hoy, quien piense en comprar una lata de simple pintura blanca deberá superar la tentación de adquirir una oferta completa de sub-variedades que se mostrarán seductoras desde su aspecto, e irresistibles desde su funcionalidad. En efecto, lo que antes era estético y básico ahora se muestra sumamente dinámico y portador de un plus cualitativo, tecnológico y emocional nunca antes visto. Pararse frente a la góndola y contemplar la cantidad de alternativas que los fabricantes ofrecen es una experiencia impactante que podría convertirse en confusa y molesta si no fuera porque sus equipos de marketing han sabido manejar esta cantidad de ofertas de un modo racional y equilibrado. Antimanchas, hidro-repelentes, con máximo poder cubritivo, con partículas inteligentes, etc, etc, etc. son sólo algunas de las novedades que el mercado experimenta, y que no hace otra cosa que evidenciar la interpretación que hace el sector de la creciente demanda del mercado global por productos más específicos, tanto en lo que hace a formulación como a acabado y beneficios complementarios.

Lo tangible y lo emocional, un equilibrio necesario para los tiempos que corren
Mencionar hoy que un consumidor necesita ser seducido por un producto parecería exponer una obviedad. Pero en el rubro pinturas, a diferencia de muchos otros, este principio esencial de la compra-venta comenzó a manifestarse de un modo explícito recién en la última década. ¿Cuál es la razón de tanto atraso? Una de las causas más fuertes radicaba en el estricto perfil utilitario que poseía la categoría. Tiempo atrás, las pinturas eran adquiridas casi exclusivamente por los profesionales, lo que obligaba a que el dialogo comercial fuera muy diferente. Aquellas incipientes estrategias de comercialización eran generadas, en muchas ocasiones, de modo visceral por técnicos de perfil práctico/racional, como por ejemplo ingenieros, arquitectos y fundamentalmente por pintores experimentados que eran absorbidos por las grandes empresas para convertirlos en la voz cantante de las necesidades del consumidor. El packaging, las campañas publicitarias y las acciones promocionales estaban muchas veces basados en los gustos, intuiciones y por qué no “caprichos” de quienes tenían la responsabilidad ocasional de conducir los destinos de una determinada marca. En sus mensajes no había lugar para la emoción sino para la eficacia, un producto bueno se adquiría y punto. Una regla que finalmente se volvería insostenible frente a la gran transformación que sucedería a nivel tendencias de consumo.

Cambian las reglas de juego
Pero el tiempo pasó, el contexto evolucionó y esa visión comercial elemental que parecía única y efectiva debió transformarse en un auténtico análisis del target y en un accionar coordinado entre las distintas áreas que componen el aparato comunicacional corporativo. Para decirlo de un modo más simple: la eficacia de un producto hoy es necesaria pero no suficiente. Para que una marca genere una mayor identificación con sus consumidores, debe ser complementada con mensajes emocionales subyacentes que manifiesten una mayor comprensión de las experiencias reales que la gente posee. Las empresas deben buscar ser uno con ellos y mostrarse como un auténtico referente de todo lo bueno que le puede suceder en relación con la categoría.

Los 3 Factores causantes de la transformación
He mencionado que el contexto cambió y con él ha nacido un nuevo perfil de consumidor. Ahora bien…¿en qué consiste este nuevo entorno? ¿Por qué se produjo? ¿Quién es este nuevo destinatario que ha obligado a modificar los mensajes estratégicos por venir y cuáles son sus características? Me he permitido establecer 3 razones fundamentales cuya comprensión podría dar respuesta a algunos de estos interrogantes. Paso a detallar:

1- Una influencia importante de las tendencias estéticas y del modo de percibir la vida
El mundo ha cambiado. Los medios de comunicación han potenciado su masividad y el crecimiento de sistemas de vínculos virtuales como Internet, Facebook, Twitter, etc. permiten acortar distancias y transformar el modo en que las personas ven a los demás y a sí mismos. Las novedades viajan a través del globo con mayor celeridad, y eso produce un acceso inmediato a las últimas tendencias estéticas y a una inconformidad sobre las soluciones básicas disponibles en el mercado. Estar “a la moda” y apropiarse de los últimos avances tecnológicos conducen, pues, a que las empresas líderes tengan que actualizar la imagen de sus productos al punto de convertirlos en sinónimo de innovación global dentro de cada categoría en las que incursionan. Este rol de “intérpretes e impulsores de vanguardia” les resulta altamente necesario para su crecimiento y permanencia en el podio, ya que la competencia es feroz y no dudará en imitar tanto sus códigos estéticos como sus novedades tecnológicas como respuesta a la propia incapacidad por evolucionar.

2- Un mayor protagonismo del destinatario final
El aumento de conocimientos que los medios digitales le aportan a la nueva generación de consumidores, y el creciente deseo de los mismos por ser protagonistas de su propia realidad ocasionan que los “pintores de carrera” deban compartir su lugar como target preferencial. En efecto, las empresas fabricantes han debido diversificar su mensaje, contemplando en su comunicación a una nueva gran masa de personas que, si bien no tienen la misma experiencia práctica de aquellos, está dispuesta a ser protagonista activo de la construcción, remodelación o simplemente lavado de cara de su propio espacio de vida. La reacción corporativa frente a este cambio actitudinal puede notarse claramente en los nuevos diseños de packagings (mucho más amables y cercanos a los códigos que interpreta ese público objetivo) y en los claims que dan sustento a las nuevas campañas publicitarias. La frase “Pinta tu mundo” de Sherwin Williams, por ejemplo, habla de una evolución en cuanto al futuro de la categoría: CALIDAD, TECNOLOGÍA, e INTERPRETACIÓN DE LAS NECESIDADES ESPECÍFICAS son las tres premisas que se desprenden como base de su accionar estratégico.

3- Un cambio profundo en el entorno de compra
Quizá uno de los factores más relevantes que estén determinando que las estrategias comerciales del sector deban ser actualizadas sea el “fenómeno de venta despersonalizada”. Es decir, cómo hoy los consumidores han transformado su experiencia de compra pasando de “la interacción con el ofertante” a un vínculo mucho más distante en donde el autoconvencimiento del comprador juega un rol fundamental. Al igual que como está sucediendo con muchas otras categorías, la venta de pinturas comienza progresivamente a darse bajo la modalidad “Sírvase usted mismo”. Este sistema de comercialización, que apuesta al ahorro de tiempos y discursos innecesarios, se anuncia como una tendencia fuerte a nivel mundial y ataca de modo directo a la modalidad histórica tradicional, basada en el cordial intercambio de experiencias y visiones entre quien emite la oferta y quien la recibe. Muchos locales comerciales se están haciendo eco de esta vanguardia y van paulatinamente transformando su espacio interior para generar un canal de comunicación periférico que logre transmitir, del mejor modo posible y en apenas segundos, las diferentes promesas. La invasión de piezas promocionales, tanto institucionales como emocionales, la generación de espacios libres para la detección de los valores diferenciales emitidos por las distintas marcas, la ocasional incorporación de voz en off y hasta la reproducción in situ de pegadizos singles que anuncian los nuevos lanzamientos y estimulan la recordación, son algunos de los recursos que las empresas fabricantes han encontrado para convertir estos nuevos puntos de exhibición en un lugar de captación efectiva de la demanda.

El packaging como vinculante
Las tres razones mencionadas en los párrafos anteriores han dado lugar a una nueva generación de estéticas y estrategias que se corporizan claramente en aquel principal nexo entre consumidor y fabricante denominado “packaging”. A los diseñadores nos ha llevado un largo tiempo adaptarnos a estas nuevas tendencias proyectuales. No ha sido sencillo pensar en el mejor modo de disponer los recursos visuales para establecer, dentro de este escenario, una correcta ida y vuelta con el target. Las piezas ya no pueden ser simplemente estéticas, deben ser la voz sonante de quien tiene una novedad, deben convertirse en activadoras del mecanismo de compra mediante la exacta combinación de colores, formas, imágenes y tipografías. Ahora bien, ¿cuáles serán las reglas que el creativo deberá seguir de aquí en más para que sus diseños resulten eficaces? A modo de ejemplo, me gustaría enunciar algunas de ellas que son, ni más ni menos, conclusiones emanadas de mi experiencia dentro de la categoría y que, como podrán observar, actúan como reacción y acomodación de lo estético frente a la nueva realidad.

A- REALIDAD 01: La oferta ha aumentado
Ante un aumento de productos de la competencia, es preciso un manejo claro de los niveles de información. Las tipografías deben guardar una relación entre claridad, impacto y jerarquía.

B- REALIDAD 02: Al sistema de venta tradicional se le suma la modalidad “sírvase usted mismo”
Frente al afianzamiento de nuevos sistemas de venta, algunos de los cuales prescinden del asesoramiento del profesional, las creaciones deben comunicar claramente el diferencial y convertirse en auténticos elementos pedagógicos.

C- REALIDAD 03: Al haber tantos precios y calidades, se puede generar confusión
No todos los productos hacen lo mismo ni tienen igual rendimiento o performance. Es por eso que el packaging debe facilitar esa decodificación inmediata mediante un manejo estético correcto, no sobre-prometer ni manejar los recursos en estricta relación con el posicionamiento buscado.

D- REALIDAD 04: Los tiempos disponibles para la elección de un producto se han acortado
Un layout confuso, incoherente con sus otras variedades e impersonal puede generar que los consumidores menos fieles a la marca se inclinen por aquella oferta que no le exija perder tiempo en su reconocimiento. Los packagings de una empresa pinturera deben ser, pues, un resplandor intenso y único dentro de la góndola haciendo valer su presencia frente a los productos de la competencia.

Conclusión. Un mercado diferente impone una acción diferente
Existen muchas otras consignas que, de escribirlas, me obligarían a extenderme demasiado. Sin embargo bastan estas primeras 4 para comprender que la ingenuidad hoy se puede llegar a pagar muy caro. Poniendo foco en mi especialidad, podría asegurarles que frente a esta nueva realidad del mundo comercial debe descartarse absolutamente aquella visión simplista del negocio, para dar lugar a una comunicación más efectiva que logre comportarse como una auténtica provocadora de causas estratégicas planificadas, capaces de generar efectos que resultarán vitales en la captura y fidelización del target.

Casos concretos de éxito
A continuación se exhiben algunos de los últimos lanzamientos creados por Adrián Pierini y su equipo para Sherwin Williams Argentina. Todos ellos son un claro ejemplo de integración entre el equipo de marketing y la agencia, ya que lo expuesto es el resultado de la unión entre quienes conocen el mercado y sus necesidades, y quienes pueden ser capaces de plasmar visualmente ese saber. Daniel Vicente, director de marketing de la compañía, comentó al respecto: “Hemos logrado durante estos últimos años dotar a nuestros packagings de un nuevo sentido, aquel que nos permite expresar la vocación innovadora que ha distinguido a la marca Sherwin Williams durante más de un siglo. Día a día nos preparamos para el desafío que el nuevo mercado nos impone, de modo de ofrecer a nuestros consumidores la máxima excelencia tanto en lo que a diseño se refiere, como a productos y servicios”.

Línea Loxon (diseño Pierini Partners)
Una combinación de vanguardia y calidez. El primer atributo expresado en amplias zonas de color metalizadas, íconos y líneas dinámicas propias del lenguaje tecnológico. El segundo, en la incorporación de imágenes de personas en actitudes cálidas, amables y cercanas. El logo evolucionó hacia formas más racionales y la información aplicada busca resaltar los diferenciales del producto. La definición de jerarquías visuales y una estructura equilibrada rigen los principios estéticos de la propuesta.

Línea pintura en aerosol Krylon (diseño Pierini Partners)
Una forma curvilínea divide en dos el layout. Este recurso busca representar el suave acabado del producto, y a la vez genera zonas definidas para la ubicación de textos y de las imágenes referenciales. El estilo de estas últimas son de tonalidades vivas e intensas, buscando transmitir la alegría cromática que podría generar el producto en las superficies a tratar.

Línea Z10 (diseño Pierini Partners)
El nuevo packaging abandona la imagen fría de antaño para evolucionar hacia una estética mucho más atractiva. Si bien la incorporación de color aportó mayor impacto, la verdadera transformación se ejecutó en la estructura compositiva, la cual se tornó mucho más dinámica, joven y referencial.

Shertex (diseño Pierini Partners)
Un lenguaje simple en donde un logo personal y diferenciado juega un rol fundamental en el reconocimiento. El blanco aporta limpieza y se utilizó como símbolo del acabado perfecto.

Línea para maderas Rexpar (diseño Pierini Partners)
El producto, líder del segmento, exigió para sus packagings un tratamiento absolutamente racional. A pesar de ello, Pierini buscó el modo de generar un atractivo visual que transforme lo utilitario en atrapante. La extensa cantidad de subproductos que posee esta línea requirió de un trabajo complejo en lo organizacional con el cual, a través de códigos cromáticos y establecimiento de zonas especialmente destinadas a la información relevante, se posibilitó el entendimiento veloz de los diferentes beneficios existentes en cada una de las latas.

Línea Pro-Classic (diseño Pierini Partners)
Estas pinturas poseen un lenguaje simple y básico acorde a un producto estándar. Este diseño es un claro ejemplo de equilibrio entre valor y calidad. No sobre-promete, expresa claramente su diferencial y genera mediante su estructura circular un alto nivel de reconocimiento en el punto de venta.

Además de las descriptas, Arts & Crafts, Kem, Country Loft y muchas otras marcas de la compañía han sido diseñadas por Pierini. Lo más significativo de la transformación visual de todos los productos mencionados en este artículo es la capacidad que poseen, a partir de sus nuevas caras, para responder a los objetivos estratégicos establecidos. El equipo de marketing de Sherwin Williams Argentina expone a través de ellos un claro ejemplo de mentalidad práctica y evolucionada que, sin duda alguna, deberá ser imitada por las demás empresas del rubro si es que desean salir airosas de los desafíos que impone el nuevo mercado pinturero.

Más información > http://pierinipartners.com/

Fuente: Dándole una mano a la pintura