Franco di Capua comparte su video a través de la página de ARQA en YouTube: “La simplicidad es también evidente a nivel espacial. Dos espacios principales corresponden a dos áreas principales del coro litúrgico, una afuera y otra interior, y ambas parten de la pared Este. Estas dos áreas litúrgicas van acompañadas de elementos tradicionales”.

The simplicity is again evident at a spatial level. Two key spaces correspond to two principal liturgical choir areas, the one outside, the other inside, and both part of the east wall. These two liturgical areas are accompanied by traditional elements: the altar, a very thick flagstone supporting the two columns, the lectern, the choir tribune, the man-sized cross a Christian symbol and the presence of Mary in the form of statue of the Virgin, a multi-coloured wooden statue dating from the early 18th century, situated in niche within the thick wall and visible both to the inside and the outside. Underneath each of the three towers forming a schaft of light at midday is a compact altar, a casually installed upright block of stone, constituting an autonomous second chapel. The nave area, seen from afar, is characterized by it’s opening towards the choir. The ground slopes, the shell rises, the walls diverge. It can accommodate 200 people.

Outside the space opens towards the landscape; everything here is perfectly defined and delimited by the altar. The empty space formed by the front of the shell, the slope of the ground, the north pillar and the large wall to the south east. Here the liturgy can be performed before several thousand people. This is a piece of art of the most important of the entire Le Corbusier’s production, one in which you reached the “ineffable space” or in which the space is able to generating a ” plastic excitement” made of light and silence, in a synaesthetic fusion of the senses. In fact Le Corbusier had not wanted the chapel to have any bells. It is the quality of silence and its internal voices which provide the building and its choirs with song for they know how to resonate its outstanding acoustic. It was an architect from Nancy, Jean Prouvé, who installed it ten years later on the occasion of the chapel’s twentieth anniversary.

If you want to join Franco di Capua’s page on Facebook: http://www.facebook.com/DiCAPUA.Channel or his group http://www.facebook.com/group.php?gid=157207524313432

Fuente: Video “The Chapel Notre-Dame du Haut”

Nuevo libro de Ronald Shakespeare con introducciones de Leslie Wolke, Jorge Frascara, Pancho Dondo, Marcelo Ghio y Edouard Golbin.

“Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

“Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

“Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

“Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

“Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

“Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

• Los retratos de Shakespear
“Los grandes artistas ignoran los límites tradicionales de la empresa creativa. No se rinden ante el canon exclusivo edificado durante generaciones por quienes los precedieron. En lugar de ello, siguen a su musa, con frecuencia pasando de un medio a otro para descubrir y declarar su visión a través de una cambiante paleta de herramientas artísticas. Cuando un artista salta el abismo que separa a una clase de expresión artística de otra, se revela la esencia del artista. El mirar dos obras de la misma persona en dos medios distintos nos permite eliminar los elementos formales de cada obra-objeto y encontrar los hilos que las conectan entre sí y con su creador.
Hoy conocemos a Ronald Shakespear como un diseñador con una extensa cartera de celebrados proyectos de identidad gráfica y ambiental. Pero en la década de 1960, una de sus principales formas de expresión visual era el retrato, cuando utilizaba la fotografía en blanco y negro para capturar a amigos y celebridades en momentos de intimidad. En su próximo libro, Retratos de los Sesenta, comparte esas fotografías una vez más – y hoy, con el beneficio del tiempo y la amplitud de su carrera como diseñador, podemos apreciar los hilos que unen a esas fotos con el resto de la obra de Shakespear.
Como sus logos más exitosos, esos retratos son gestos simples, pero icónicos en su capacidad de comunicar mucho dentro de un formato modesto. Su retrato de Jorge Luis Borges es un esbozo del poeta-filósofo en la formal elegancia de su oficina en la Biblioteca Nacional Argentina – un estudio afectuoso y fiel de esta figura pública.
Espero con ansias poder recorrer las páginas de Retratos de los Sesenta para adivinar más del lenguaje visual esencial de Shakespear, y para conocer a quienes eligió reflejar en sus líricos retratos”.

Leslie Wolke
Austin, Texas, 2011

• La vida, en toda su intensidad
“El primer día de clase un amigo mío que enseñaba fotografía mostraba a los estudiantes una foto de un gato y les preguntaba: “¿Qué es?” Todos respondían, un poco sorprendidos, “Un gato!” A lo que él siempre contestaba: “No. Es la foto de un gato.” Las fotos de Ronald son, antes que nada, fotos. Son fotos de la luz que cae sobre las cosas y que, de alguna manera, las descubre (y las cubre); directas, robustas, salvajes, más sombra que luz. Los personajes vienen después. Todas son un autorretrato, un retrato de la intensidad como tema fotográfico. De nuevo, puro Ronald: así es su conversación. Así es su lenguaje. Así son sus señales. Frontales, directas, sin vueltas ¿Por qué debería ser diferente su fotografía?
¿De donde surge? No pertenece a la ilustre tradición de la fotografía misma. ¿Avedon? Lo admira, pero no lo imita. ¿Cartier Bresson? La manera de enfrentar el sujeto sí, pero la forma de visualizarlo, no. ¿Robert Capa? ¿El fluir de los momentos, la intensidad cruda de sus fotos movidas de la invasión de Normandía?… Tal vez la imagen de Ronald viene más del cine: ¿Bergman? (Otro amante del medio que usaba), ¿o el mismo Orson Welles de su foto, con su lenguaje de contrapicadas y sus tonos contrastados?
Decidido a hacer bien lo que hacía (como siempre), Ronald se compró una Hasselblad. Era la época en que nos encantaba la calidad de superficie de los grises y los negros. El único laboratorio accesible capaz de hacer algo bueno en aquel momento, revelando los rollos con revelador de grano fino, era “Ellinger,” en Viamonte y Maipú, donde unos alemanes minuciosos hacían maravillas con películas de 35 mm. A uno se le hacía agua la boca con el formato 6×6. Monumental. La Hasselblad era el pasaporte a la foto profesional. Ni qué hablar cuando en 1969 fue a la Luna. Seguro que se vendieron muchas Hasselblad. Pero no aparecieron muchos Ronald Shakespear. Ronald, sin embargo, sacó muchas de sus fotos con una histórica Leica F3 –aquella de los espías– con la lente retráctil que permitía llevarla en el bolsillo de la chaqueta.
También hay que pensar en los personajes que elegía para sus fotos: las fotos son fuertes, pero los personajes también. Era un momento heroico esos años ’60. No sé qué había en el ambiente ¿tal vez nuestra juventud? Pero nó, había algo más, algo que impulsaba a la gente en el mundo occidental a romper barreras, a hablar claro, a inventar la propia vida. Un poco como fueron los años ’20: y no como los ’30, ni los ’40, ni los ’50. Los ’60 fueron años de salir a explorar los límites de lo posible. Es en ese contexto explosivo del Pop, de los Hippies de San Francisco, de la moda de Mary Quant, de Carnaby Street, de La Menesunda, del Instituto Di Tella, que sale Ronald con su cámara a documentar el momento fugaz. Sus modelos no posan, pasan. Ni siquiera parecen notar la presencia del fotógrafo, que está ahí, con ojo caravaggiesco esperando el momento mágico en que la luz, la sombra y el personaje confluyan para potenciar la imagen.
Eso es lo que tememos el privilegio de ver hoy, de nuevo, gracias a esta nueva edición de Caras y Caritas: la vida, en toda su intensidad”.

Jorge Frascara
Padua, Enero 2011

• “El talento narrativo es una constante en la obra de Ronald Shakespear”
No me refiero exclusivamente a su faceta más conocida, la de diseñador, sino a la profunda obra de su propia vida. Contar historias ha sido -es- un medio y un fin para construir un poderoso vínculo con las personas que tenemos la dicha de conocerlo. Como un auténtico hombre renacentista -nacido por los caprichos de la historia en el siglo XX- no le son ajenas las artes y las ciencias. Juega con el todo conciente de que el proyecto más importante, es seguir haciendo cada día aquello que ama. Un militante de la vida y sus circunstancias, a la vez que un observador agudo de la naturaleza humana.
Fellini dijo alguna vez “Sólo existes por lo que haces. Mi trabajo es mi única relación con el todo.” Intuyo que Ronald ha sido el inspirador del gran Federico para estas palabras. O debió haberlo sido. “Revisitando los Sesenta” está inundado de una presencia poética y a la vez terrenal que se expresa en cada retrato. La mirada de Ronald es una lente que abarca la totalidad de los sentidos y nos permite compartir ese universo íntimo y personal no sólo desde lo que se ve, sino también desde aquello que está más allá de nuestros ojos”.

Marcelo Ghio
Lima, Perú 2011

• Revisitando los Sesenta (ex Caras y Caritas)
“La invitación, inesperada y deliciosa, resultaba un honor inmenso. En la Argentina, decir Shakespear (así, sin la esperable e final) es decir diseño. Él mismo se define con una frase de Alan Fletcher: “El diseño no es necesario. Es inevitable”. Consecuente con esa afirmación, desde su estudio fundado hace más de medio siglo Ronald viene dándoles forma, en Buenos Aires (que no es su ciudad, ya que él es rosarino y leproso), a elementos visuales tan dispares y omnipresentes como la señalización de la nomenclatura (los carteles de las calles, bah), las paradas del transporte urbano y la señalética del subte, además de la identidad visual de marcas como Tren de la Costa, Autopistas del Sol, Alto Palermo o Temaikén.
Pero aquí no se expone el diseñador, sino el artista. Pocos días después de aquel convite me llegaron dos DVDs cuyo contenido recorrí extasiado una y otra vez, varias veces. Orson Welles rodeado de humo, en un contrapicado cinematográfico que tal vez busca al ciudadano Kane. El mocasín de un sonriente Leonardo Favio en primer plano. La mano de Jorge Luis Borges descansando sobre un globo terráqueo de la vieja Biblioteca Nacional, como queriendo domar a ese mundillo literario que jamás le concedió el Nobel. La silueta presagiante por borrosa de Oscar Bonavena, de saco y corbata y con gesto de campeón. Una banqueta sosteniendo en un rincón al derrocado presidente Arturo Frondizi. El reposo armónico de cuatro manos quincuagenarias, las de Alberto Ginastera y Manucho Mujica Láinez, una de ellas sosteniendo un cigarrillo. La mirada oculta de Irineo Leguisamo, cruzada en un diálogo incomprensible con la de uno de los miles de caballos que corrió. Los dientes, sobresalientes como teclas, de un Mono Villegas recostado sobre el piano. Una silueta negra, con aspecto de libreta cívica, oculta en el bolsillo de una camisa arremangada como con apuro por Atahualpa Yupanqui. Los dientes apretados, de sonrisa tensa, de Rodolfo Walsh. El torso desnudo de un Ronald Shakespear de 26 años, desenfocado detrás de su esposa Elena Peyron.
La lista sigue, los ejemplos podrían ser muchísimos más. Pero prefiero detenerme en lo que me transmiten -soy subjetivo y egoísta en este detalle- esos significantes mínimos que destaqué en bastardilla. Roland Barthes llamaba punctum a ese componente de la fotografía que, por un lado, es casual, depende del azar; por otro, establece un ritmo interno, una puntuación, en la imagen; y sobre todo, “sale de la escena como una flecha y viene a punzarme”. El mismo semiólogo francés distinguía en su análisis la coexistencia de punctums visuales (manos, dientes, banquetas, desenfoques, contrapicados) y conceptuales (domas, diálogos, apuros, tensiones), acentuando la subjetividad de su postulado.
Revisitar los 60 -los años sesenta, los sesenta retratos- es y puede ser tema de este y de muchos otros libros. Pero a Ronald Shakespear no le hace falta: en uno solo, este libro es todos los libros posibles. La combinación impredecible de punctums -subjetivos y egoístas- hará de Revisitando los Sesenta una obra camaleónica: los de arriba son mis punctums, mis significantes mínimos. Pero no los suyos, querido lector: esos tendrá que descubrirlos”.

Pancho Dondo
Buenos Aires, 2011

• “Ronald Shakespear ha logrado lo que muy pocos elegidos logran realizar, una obra de arte total, su propia existencia. Como él diria, corramos un compasivo velo sobre el tiempo de nuestra amistad… y en ese largo lapso de tiempo, no le recuerdo en ningun momento de descanso, en ninguna pausa en su actividad creativa multifacética que dejara de embellecer lo que lo nos rodea , agregando color a los grises existentes. Y esto incluye a su arte fotografico uno de sus multiples talentos, en el que un blanco y negro da a sus emotivas imagenes la importancia de ser hoy un precioso documento de su mundo y del nuestro”.

Edouard Golbin
París 2011

Fuente: http://www.ronaldshakespear.com/2011/06/nuevo-libro/

Fuente: “Revisitando los Sesenta”, nuevo libro de Ronald Shakespeare

Fuente: Català-Roca en la Pedrera

Pabellón 4 Arte Contemporáneo invitar,  el martes 28 de Junio a las 20 hs., a la inauguración de las muestras de los artistas Javier bilatz “Todos Estamos” Fotografía, video, backlight e instalación interactiva en la Sala I y Nicolás Ferrando “Paper Bags” Fotografía sala II.

Exposiciones de Fotografía: “Todos Estamos” y “Paper Bags”, en Pabellón 4 Arte Contemporáneo

Exposiciones de Fotografía: “Todos Estamos” y “Paper Bags”, en Pabellón 4 Arte Contemporáneo

• Javier Bilatz “Todos estamos”
Fotografía, video, backlight e instalación interactiva – Apertura 28 de Junio
Cierre 30 de Julio – Sala I

“Perdidos”
“The domain of complexity, in other words, lies between order an disorder, or ‘at the edge of chaos’” (“El campo de la complejidad, en otras palabras, reside entre el orden y el desorden, o ‘al borde del caos’”). “The Moment of Complexity: Emerging Network Culture” Mark C. Taylor, University Of Chicago Press, 2003 La obra de Javier Bilatz se concibe a partir de la creación de software diseñado para que el espectador pueda tener una experiencia que seria imposible de otra manera. Para lograr este objetivo se vale del ordenador, robótica interactiva, sonidos e imágenes infográficas. Así, detrás de cada obra aparece la programación, uniendo en un ámbito artístico tres elementos normalmente separados: las telecomunicaciones, la robótica y la interactividad. La instalación denominada “Todos estamos”, pieza madre de toda su producción actual, permite así a cualquier usuario realizar una exploración dentro de un entorno real-virtual a través de una cámara y de su óptica, de tal forma que una cámara que está acoplada a la obra registra en tiempo real a la persona que se para frente a ella, procesa esa información, y da como resultado una trama fractal que actúa en forma reactiva a la presencia, generando un laberinto visto desde un vuelo cenital, donde sus paredes cambian de posición permanentemente, y, como unidades de una sintaxis geométrica, que revelan en su conjunto el rostro de alguna de las personas que provocó la reacción. El resultado final será un retrato, formado por cientos de líneas que a su vez forman un laberinto, con la particularidad que el mismo no tiene ni principio ni fin. El autor aprovecha la oportunidad para desarrollar una práctica retratística, proponiendo a conocidos y extraños capturar el laberinto que la obra está construyendo en ese instante. Una vez obtenida esta captura de pantalla, puede decidirse que rumbo a tomar para materializar ese laberinto: de copias fotográficas o serigráficas, a la producción tridimensional del laberinto, por diversos procesos industriales y/o artesanales. El título de cada retrato se conforma con un patrón, que comienza con el nombre coloquial del retratado y la manifestación de que ‘está’. La ausencia de la obra como pieza única también es algo a considerar, la identidad construida en la tensión repetición/variación, el distanciamiento del ‘autor’ del resultado final, y la reflexión sobre la imagen como resultado de procesos, sobre la imagen del proceso. Sucitándose un Happening electrónico-digital, se constata que la difusión de las nuevas tecnologías está originando cambios importantes en la concepción artística. Así, evoluciona la forma de trabajar del artista, que pasa de la creación de una obra estática al diseño de un contexto en el que se invita a participar a los espectadores, estimulando su creatividad. El resultado es que gracias a los medios digitales se puede reflexionar sobre cómo afecta la tecnología al mundo del arte.

“Todos estamos” es un proyecto desarrollado en INTERACTIVOS 2010 (Programa de especialización estética, curaduría y montaje para obras de arte tecnológico – Espacio Fundación Telefónica – Argentina). Javier Bilatz nació en Buenos Aires, Argentina, 1968

• Nicolás Ferrando “Paper bags”
Fotografía – Apertura 28 de Junio
Cierre 30 de Julio – Sala II

“Realidad o Ficción?
La obra de Nicolás Ferrando se caracteriza por buscar el efecto a través de la situación, donde no importa el gesto del personaje que esta vinculado a la acción, solo importa lo que para el representa esta situación, es así que se da el lujo de ocultar sus rostros y remplazarlos por iconografías donde logra ironizar o ridiculizar al personaje sin necesidad de burlarse del mismo, ya que nunca sabremos de quienes se trata, es así que resalta la acción como quien se apropia de algo para buscarle otro sentido. En el arte contemporáneo este tipo de recursos ha sido numerosas veces utilizado, lo mas importante es tener la capacidad de utilizarlo correctamente y que esto le aporte algo al lenguaje de la obra. Nicolas es un profesional cuando se trata de esto, su experiencia como director de fotografía en la industria del cine y la televisión, se  hace notar en las fotografías que realiza. Estas iconografías finamente seleccionadas, así como las locaciones donde ha tomado esta serie de imágenes parten de una búsqueda que tiene mucho que ver con el proceso de realizar un guión, donde nada esta librado al azar y donde todo forma parte de la historia a narrar. Ocultar los rostros de las personas que intervienen en sus fotografías y encontrar un patrón que los distorsiona o representa son parte del juego del fotógrafo; que como un niño cumple su fantasía o puede ser una forma de censura de la realidad. Hasta donde lo que vemos es real o forma parte de la saturación de imágenes del mundo contemporáneo? seguramente Ferrando se pregunta continuamente esto cuando medita en su taller antes de apresurarse a la calle a buscar una nueva presa. Que mejor que quedarnos con esta duda, solo nos resta compartir cada una de las situaciones por las cuales Nicolas pone en acción a sus personajes que permanecerán siempre ocultos tras la típica bolsa de pan que todos conocemos, pero nunca se nos hubiese ocurrido utilizar para convertir algo tan simple en objeto de arte.

Nicolás Ferrando nace en Buenos Aires en 1978. Estudió dirección de fotografía y cámara en la Universidad del cine y realizó un master en Fine Arts (Photography and Electronic Media) en Slade School of Arts. 2009

Evento
Pabellón 4 Arte Contemporáneo, Uriarte 1332
Palermo, Buenos Aires, Argentina
T: (+5411) 47728745 – 47792654
Lunes a sábado de 16 a 20 hs.

Más información > www.pabellon4.com | pabellon4@fibertel.com.ar | Entrada Libre y Gratuita

Fuente: Exposiciones de Fotografía: “Todos Estamos” y “Paper Bags”, en Pabellón 4 Arte Contemporáneo

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

Francisco Bahia Nogueira
Fotógrafo y Arquitecto

www.francisconogueira.com

Fuente: Casa das Histórias Paula Rego, Cascais, Portugal

En esta tercera edición del Prix Pictet, el tema ha sido Crecimiento. El artista ganador, Mitch Epstein ha sido nominado por su serie American Power. Kofi Annan, al entregar el premio a Mitch Epstein, ha señalado que “Es difícil contemplar esta exposición sin conmoverse, incluso indignarse. Sin embargo, a pesar de lo sombrío del mensaje, la creatividad y espíritu de estos artistas también nos ofrece la esperanza de que nosotros, la raza humana, podemos buscar, concertar y dar respuestas a estos desafíos. Quiero felicitar a cada uno de los fotógrafos por la fuerza y la belleza de su trabajo”. Sir David King, presidente del jurado, a continuación ha expuesto la declaración del jurado: “El jurado de Prix Pictet buscaba fotografías que cumpliesen tres criterios: excelencia artística; historias potentes relacionadas con el tema de esta tercera edición del premio y una serie coherente de imágenes con fuerza narrativa”. El jurado ha destacado la notable calidad de los proyectos de cada uno de los doce artistas seleccionados expuestos en el Passage de Retz, París.

Tras una larga deliberación, “el jurado ha sido unánime en su decisión de otorgar el premio a Mitch Epstein, cuyo trabajo cumplía más claramente con los tres criterios citados. La épica de Epstein, con fotografías de gran belleza, ofrece un punto de vista tan perfecto que desorienta sutilmente y, al mismo tiempo, muestra un mensaje de gran potencia”. “El consistente trabajo de Edward Burtynsky merece asimismo una mención especial. Este año su ensayo sobre la omnipresencia del petróleo resulta ser un poderoso recordatorio de la dependencia que tiene el “crecimiento” de este recurso finito y vulnerable”. En la concesión la Comisión del Premio Prix Pictet, Jacques de Saussure, socio director senior de Pictet & Cie., ha declarado que, “en nombre de los socios de Pictet me complace que Chris Jordan se encargue de la Comisión del proyecto Pictet de 2011. Sus inquietantes imágenes de las Islas Midway tienen exactamente las cualidades que estamos buscando para la Comisión”.

En cada edición del Premio Pictet apoya la actividad de una organización sin ánimo de lucro cuyo trabajo refleja el tema de cada edición. En 2011 Pictet apoya a Nakuprat Conservancy, proyecto de conservación comunitaria en Kenia de la ONG inglesa Tusk Trust. Tusk es responsable de más de cuarenta programas diferentes de conservación y desarrollo comunitario sostenible en 17 países africanos. Chris Jordan, con el apoyo logístico de Tusk Trust, visitará Kenia con la misión de llamar la atención sobre los problemas a que se enfrentan las comunidades locales en la región de Nakuprat. Las fotografías resultado de este encargo se exhibirán en una exposición en Londres en octubre de 2011. Charlie Mayhew, consejero delegado de Tusk ha señalado que, “Nakuprat es una región dividida por la tensión y el conflicto entre comunidades que compiten por el ganado, los pastos y el agua –lo que ilustra los dilemas del crecimiento que plantea el tema de Prix Pictet-. Estamos encantados de que Pictet & Cie haya decidido apoyar la labor de Tusk”.

Exposición y Gira
Una selección de obras de los doce artistas preseleccionados se expone en el Passage de Retz, del 18 de marzo al 16 de abril de 2011. El Premio Prix Pictet seguirá exponiéndose en varias salas internacionales a lo largo de 2011, incluyendo Salónica (Museo de Fotografía); Zúrich (Galería Christophe Guye, del 26 de mayo al 14 de junio), Milán (Galerie Carla Sozzani, del 8 junio al 31 de julio), Londres (Diemar/Noble, octubre), Dubai (Empty Quarter, octubre) y Madrid (Jardín Botánico, de octubre 2011 a enero de 2012). Las propuestas de otras galerías internacionales están siendo consideradas.

Libro
El Premio se completa con la edición del libro Growth (Crecimiento). Growth está publicado por la editorial teNeues e incluye el trabajo de los doce artistas preseleccionados y de otros nominados.

Prix Pictet en el festival de fotografía Arles Photography
Posteriormente y durante este año el Premio Prix Pictet colaborará con Les Rencontres d´Arles en una gran exhibición en Théâtre Antique de Arles, durante la semana inaugural del festival (jueves, 7 de julio).

Fuente: Mitch Epstein obtuvo el Prix Pictet 2011 de Fotografía y Sostenibilidad

Science Technology Park en Doha, Qatar

Science Technology Park en Doha, Qatar

Science Technology Park en Doha, Qatar

Science Technology Park en Doha, Qatar

Science Technology Park en Doha, Qatar

Science Technology Park en Doha, Qatar

Nelson Garrido
www.ngphoto.com.pt

Fuente: Science Technology Park en Doha, Qatar

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Fuente: Centro de Interpretación en Murça, Portugal

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Museo del Chopo en Ciudad de México

Fuente: Museo del Chopo en Ciudad de México

Fuente: Fotografiar Arquitectura

Fuente: Ill Street Blues, Exposición de fotografía

El edificio Epsilon-Euskadi, obra de Javier Perez de Uríbarri del estudio ACXT. Es la sede del equipo de competición automovilística del mismo nombre, está situado en el parque tecnológico de Miñano, Álava.

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Edificio Epsilon Euskadi

Fuente: Edificio Epsilon Euskadi

El edificio Alhóndiga Bilbao, obra de Philippe Starck, recientemente inaugurado, es un centro de ocio, cultura y deporte en el mismo centro de Bilbao, construido a partir de la rehabilitación de un antiguo almacén de vinos.

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Edificio Alhóndiga Bilbao

Fotografías: Francisco Berreteaga

Fuente: Edificio Alhóndiga Bilbao

Ricky Dávila, Alejandro Castellote, Roger Guaus, Leo Simoes o Xiqi Yuwang son algunos de los nombres destacados del programa de la segunda edición de Zaragoza Photo 2010. Un festival de fotografía contemporánea que se desarrollará durante el mes de septiembre, centrando su mayor actividad del 8 al 12 de septiembre en varios espacios del centro de la capital aragonesa.

Zaragoza Photo, festival sobre Fotografía Contemporánea

Llega a la capital aragonesa la segunda edición de Zaragoza Photo organizado por el colectivo Zphoto. Un festival de fotografía contemporánea que durante el mes de septiembre reunirá a grandes figuras nacionales y a diversos colectivos para que difundan sus conocimientos sobre el arte de la fotografía entre el gran público y examinen su situación a través de conferencias, talleres, exposiciones, libros, proyecciones. Además, Zaragoza Photo continúa fomentando la participación ciudadana en el festival y la búsqueda de nuevos talentos con su rally fotográfico “Buscamos el talento tras la cámara”, que concederá a sus ganadores un importante paquete de becas de estudio en la Escuela Zphoto. Esta nueva edición se celebrará durante todo el mes de septiembre, si bien centrará la mayor parte de sus actividades los días 2, 8, 9, 10, 11 y 12 de septiembre en tres espacios ubicados en el centro de la ciudad para facilitar su desarrollo y acceso: el Centro Joaquín Roncal, el Espacio Zphoto y el Centro de Historia.

Así, el programa de Zaragoza Photo 2010 incluye seis conferencias impartidas por destacados nombres del mundo de la fotografía; tres talleres impartidos por fotógrafos con una larga trayectoria que tratan temas como la elaboración de un proyecto fotográfico personal, las claves para el retoque de una imagen y la búsqueda de un posicionamiento fotográfico propio; y las exposiciones de un joven talento extranjero, Xiqi Yuwang, y de un autor ya consagrado, Leo Simoes. Asimismo, durante tres jornadas consecutivas, se finalizará con la celebración de una actividad más distendida, la proyección de obras de autores emergentes, fotoperiodistas y participantes en la sección oficial del festival en un agradable entorno: la terraza del Centro de Historia amenizada por música en directo y un espectáculo de danza. El festival Zaragoza Photo continúa así en su empeño de funcionar como escenario para el intercambio, la creación, el debate y el disfrute de un arte, la fotografía, que cada vez cobra más prestigio en los circuitos culturales y que por ello merece un espacio individual en la oferta cultural de una ciudad como Zaragoza.

Visite >> www.zaragozaphoto.es

Fuente: Zaragoza Photo, festival sobre Fotografía Contemporánea

7mo. Certamen Internacional de Fotografía, INCUNA

Dentro de esta temática se incluyen los espacios patrimoniales de la industria y los paisajes culturales de la misma, además de las relaciones que se establecen entre medio natural, paisaje industrial, hombre y actividades industriales. Incluye, en esta ocasión, elementos como el diseño de productos, la iconografía, la imagen de la industria y la cultura visual que estas actividades han generado en su proyección externa. La participación está abierta a fotógrafos profesionales y aficionados, con independencia de edad y nacionalidad.

Trabajos
Los trabajos, originales e inéditos, se presentarán en papel fotográfico, sin enmarcar y sin passe-partout, con un tamaño mínimo de 20 x 25 y máximo de 30 x 40, en blanco y negro o color. Se entregará un CD con los archivos digitales. Cada autor podrá presentar un máximo de cinco fotografías y, cada una de ellas irá acompañada de un breve texto explicativo. El plazo de admisión de obras concluye el próximo 20 de agosto en el INCUNA.

Organizado en colaboración con la Consejería de Cultura y Turismo, el Ayuntamiento de Gijón, la Fundación Metal Asturias y El Corte Inglés se concederá un 1er premio de 600 € y dos accésit de 300 € cada uno. El fallo del jurado y entrega de premios se hará público durante el acto de inauguración de la exposición que se celebrará en Gijón (Asturias – España) el próximo 28 de septiembre de 2010.

INCUNA
C/La Muralla, 3 entresuelo
33202 Gijón-Asturias-España

Más información >> T: 985-319-385 – incuna@telecable.es – www.incuna.es

Fuente: 7mo. Certamen Internacional de Fotografía, INCUNA

Tipo de Trabajos
Se podrán presentar trabajos fotográficos de autor que tengan como objetivo configurar una exposición en torno al  arte contemporáneo. Cada trabajo constará de entre 12 y 20 fotografías.

Finalistas
De todos los trabajos que se presenten se seleccionarán 16 que serán los finalistas y que estarán presentes en el  catálogo general del festival. Al menos 4 de los 16 trabajos finalistas que opten al premio se reservarán a un autor/a matriculado en alguna escuela o universidad. Además, los autores de los 16 trabajos deberán estar en Lleida los días 21 y 22 de octubre de 2010 para defender sus trabajos ante el público asistente y los miembros del jurado. Durante el visionado los finalistas deberán explicar a los miembros del jurado el concepto de su obra y el motivo personal y creativo que les ha generado la realización de la misma, procurando que la exposición sea el máximo de  enriquecedora para los asistentes. Por su parte, el Jurado podrá intervenir, preguntar, sugerir u opinar un público sobre los trabajos presentados con un claro objetivo pedagógico y didáctico y así contribuir a establecer criterios en torno a la creación artística.

El Premio
De entre los 16 finalistas el Jurado determinará un único/a ganador al que se le producirá una exposición fotográfica individual en el marco de EMERGENT 2011. El coste de producción no superará el importe máximo
de 2.500 €. Una de las obras expuestas pasará a formar parte del fondo de la Fundació Sorigué.

Miembros del Jurado
Jordi Bernadó (fotógrafo), Glória Picazo (directora del Centre d’Art la Panera), Vicenç Boned (Galería Tagomago  -BCN-), Júlio Vaquero (Fundació Sorigué) y Christian Caujolle (comisario y fundador de la agencia VU).

Recepción de Trabajos
Las instrucciones y requisitos técnicos para enviar los trabajos los podréis encontrar en el apartado “premios” de la Web del festival. El término de entrega de las fotografías será el día 15 de julio de 2010.

Consideraciones Finales
El autor, autorizará a EMERGENT y a la Fundació Sorigué a reproducir las obras en cualquier medio y soporte con  el único objetivo de hacer difusión y publicidad del festival y el premio. El autor dispondrá de los permisos necesarios  para exponer públicamente su obra en el caso que intervengan personas o edificios que lo requieran. La organización tendrá la facultad de solucionar y decidir sobre cualquier aspecto no previsto en las bases.

Más información >> info@emergent-lleida.org /www.emergent-lleida.org

Fuente: Premio de Fotografía Emergent-Fundació Sorigué 2010

Individuo e identidad es una reducida muestra de la amplia Colección Ordóñez-Falcón de Fotografía, que cuenta con más de 1.100 obras, datadas desde los años 20 del siglo pasado hasta la actualidad, en un recorrido por la fotografía universal con autores como Stieglitz, Adams, Sander, Weston, Rodchenko, Abbot, Brassaï, Penn, Avedon, Doisneau, Warhol, Sherman, Ruff, Höffer, Olaf, Fontcuberta y un larguísimo listado de igual relevancia. De ese magnífico conjunto se han seleccionado 21 imágenes, la serie Family Tree, del año 2000, compuesta por nueve fotografías de 230 x 180 cm., de Zhang Huan; 8 fotografías de Céline van Balen, de 1996/1998, de 155 x 125 cm.; dos retratos, Antonio (serie Utópicos) y Francisco, del francés Pierre Gonnord, y dos personajes de la serie América, del neoyorquino Andrés Serrano, bajo el título América (Boy Scout John Schenieder, Troop 422) y Bello Nock (América’s Best Clown), obras de 2002 y 2003.

Inauguración: 19 de marzo de 2010
Horario: de lunes a domingo de 11.00 a 21.00 hs.
www.centrosturisticos.com

Fuente: Individuo e identidad, en el MIAC de Lanzarote

Dentro de este nuevo mundo, un mundo cargado de conectividad y velocidad; creo en el poder de una Comunidad Global. Una comunidad dónde de algún modo, todos percibimos estar cerca pero físicamente igual de lejos que siempre.[/intro][fotos]

La intención de este proyecto Global, es simplemente acercarnos, sentirnos algo más cerca y compartir con una simple foto nuestra mirada desde nuestro lugar de trabajo. Las participaciones han sido una simple fotografía desde diferentes lugares de trabajo o estudio, hacia el exterior. Una toma desde una ventana, vereda, balcón o terraza, para compartir el instante en donde todos de alguna manera, descansamos la mente o bien contemplamos nuestro mundo exterior más inmediato.

Con cada aporte individual, todos podemos ver el instante registrado por diferentes personas, colegas y estudiantes en diversos lugares del mundo; fortaleciendo la esencia de una Comunidad Global.

Proyecto completo en:
http://blog.studio-duv.com/
http://www.studio-duv.com/projects.aspx

Pablo E. Leguizamon, arquitecto
Coordinador Studioduv
Rosario-Argentina
p_leguizamon@studio-duv.com
www.studio-duv.com

Fuente: Comunidad Global

Fuente: Floralis Genérica

200 segundos Buenos Aires 2010

El material seleccionado como finalista será editado en una única película, que será proyectada durante las celebraciones por el Bicentenario de la Ciudad en el transcurso del año 2010, convirtiéndose en una expresión mas dentro del punto de encuentro que se propone en conmemoración de los 200 años de Buenos Aires.
El proyecto apunta a generar uno y múltiples registros de la Ciudad de Buenos Aires en las cercanías de 2010 desde la mirada de sus propios habitantes o visitantes, dando lugar a los puntos de vista mas personales, anónimos, artísticos y espontáneos. A partir de la suma de los diversos enfoques, se busca construir un único relato en el que se conjuguen las distintas expresiones, desde las cuales poder revisitar la Ciudad bajo una nueva luz.

Apertura del Concurso: 20 de noviembre
Cierre del concurso: 20 de enero
Fallo del jurado: 10 de marzo
$14.000.- en premios en ordenes de compra Nikon
www.bicentenariociudad.gob.ar
www.ucine.edu.ar

Fuente: 200 segundos Buenos Aires 2010